SUSANNE SUNDFØR @ USF VERFTET (15.11.2014)

N'ayez crainte braves gens, Haakon VII veille sur le fjord

N’ayez crainte braves gens, Haakon VII veille sur le fjord

Bergen. Certains diront que cela fait un peu loin pour un concert, surtout quand on habite en région parisienne. Mais quand on aime, on ne compte pas les kilomètres et les heures d’avion. 22 heures en Norvège, juste le temps nécessaire pour forger quelques souvenirs impérissables, avant de replonger dans le traintrain quotidien. Une parenthèse enchantée  venant conclure une attente de deux ans, et permettre de patienter jusqu’à la date fatidique du 16 Février 2015. Chronique d’un aller et retour.

La mini-tournée norvégienne de Susanne Sundfør, signe du retour aux affaires de la native de Haugesund après quelques mois de hiatus, constituait un évènement intéressant à plus d’un titre pour les fans de la reine des renards blancs. D’abord parce qu’il s’agissait d’une bonne opportunité de la voir interpréter sur scène ses propres morceaux, après deux années principalement consacrées à diverses collaborations (M83, Röyksopp, Bow To Each Other, Kleerup). Ensuite, car c’était l’occasion de découvrir une partie de Ten Love Songs, le très attendu sixième album de l’artiste scandinave, dans des conditions privilégiées. Enfin parce qu’à quelques mois du probable virage pop annoncé par le premier extrait de ce prochain disque (Fade Away), il était intéressant de voir comment Sundfør allait conjuguer anciens et nouveaux titres afin d’obtenir un tout cohérent.

Deuxième étape de la tournée, Bergen accueillait le concert du 15 Novembre dans l’USF Verftet, complexe culturel situé en bord de fjord, en plein cœur d’un quartier résidentiel de la ville. L’évènement avait beau afficher complet, la grande salle lambrissée de 1200 places se remplit lentement, beaucoup des participants s’attardant au bar pour un siroter un verre de vin au comptoir. Sur scène, les nombreux claviers et synthétiseurs devant être utilisés au cours de la soirée attendaient patiemment l’arrivée des musiciens. Une sorte de rambarde constituée de tubes de plastique transparent séparait l’estrade en deux dans le sens de la longueur, avant-goût prometteur du nouveau dispositif son et lumière devant accompagner le show, moins imposant que l’appareillage mis au point par Kyrre Heldal Karlsen pour la tournée de The Silicone Veil, mais toutefois assez fourni pour rehausser dignement la future représentation.

Comme annoncé par Susanne elle-même quelques jours avant le début de son road trip norvégien, la première partie fut assurée par le trio APOTHEK, emmené par le fébrile Morten Myklebust. On se souviendra que Sundfør avait posé sa voix sur un titre (Away) du premier album de ce dernier pour justifier, si besoin est, la présence du groupe sur ce créneau. À l’écoute des quelques morceaux proposés par Myklebust et ses comparses, il ne fut en outre guère difficile de rapprocher l’univers musical de la tête d’affiche de celui de ses ouvreurs néophytes (deuxième concert pour Apothek, le premier ayant eu lieu la veille à Trondheim, première date de la mini-tournée): même amour pour l’electro-pop léchée, et même mise en valeur de la voix par rapport aux instruments. Au petit jeu des ressemblances, on aurait même pu sans mal tirer un parallèle entre la nervosité palpable de Morten Myklebust et l’attitude réservée de sa “marraine” sur scène (et pousser jusqu’à une certaine ressemblance capillaire entre les deux – du temps où Susanne n’était pas encore blonde, du moins – , pour les plus caustiques). Sans vouloir rabaisser la performance d’Apothek, qui s’avéra très correcte eut égard à la jeunesse du groupe et de son répertoire encore limité, j’aurais toutefois préféré commencer la soirée en compagnie de Bow To Each Other, autre groupe intimement lié à Susanne Sudfør (qui a produit le premier album du duo et l’a accompagné sur de nombreuses dates au cours de l’année passée) et dont les deux membres se révélèrent faire partie du live band de cette dernière. L’embarras du choix, en quelque sorte.

Le départ d’Apothek fut rapidement suivi par la tombée des rideaux, permettant au staff de la salle de préparer la scène pour la suite de la soirée dans un secret propice à l’élaboration des théories les plus folles quant aux surprises que ne manqueraient pas de nous réserver le concert à venir. Cette entracte placée sous le sceau du mystère me permit de découvrir que je n’étais pas le seul à avoir fait le déplacement depuis une distance respectable pour assister au retour de l’ex-membre de Hypertext, mon voisin de gauche confessant avoir fait le déplacement d’Angleterre pour l’occasion. Sundføriens de tous pays, (ré)unissez-vous! Peu après cette annonce, des volutes de fumée grise se mirent à s’élever depuis l’arrière des rideaux toujours tirés, qui ne tardèrent pas à s’ouvrir après que la clameur tonitruante du public de Bergen soit venue confirmer que l’USF Verftet était fin prêt à accueillir comme il se devait sa pasionaria. And so it began…

Apothek 1

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Accompagnée de ses musiciens, dont beaucoup de têtes connues (Bow To Each Other donc, mais également Øystein Moen aux synthétiseurs), SUSANNE SUNDFØR, toute de noir vêtue et coiffée d’un fedora à l’avenant (Stevie Nicks-like, blame it on her wild heart), vint s’installer derrière le clavier de son fidèle Fender Rhodes, et débuta les hostilité avec Darlings, premier morceau du futur album. Au classique piano-voix des premières mesures vinrent se greffer progressivement quelques effets de synthétiseurs, montée en puissance subreptice couronnée par un chorus final à quatre voix. L’effet crescendo ne fut cependant pas utilisé à plein, le groupe enchaînant après quelques notes erratiques de glockenspiel et trente secondes de quasi-silence (autant dire que la pression avait tout à fait retombé) sur le bien connu Lilith, choix bruyamment plébiscité par le public dès les premières notes. Guitare électrique et batterie entrèrent ainsi dans la danse, leurs déferlantes de décibels venant mourir sur une plage d’auto-harpe hantée par la berceuse de nos quatre sirènes.

Le morceau suivant, simplement présenté par une Susanne Sundfør souriante comme un inédit, se révéla être Kamikaze (prononcer “Kamikatza”), hymne electro-pop à la cadence martiale, et, reconnaissons-le, tout bonnement entraînante. Pourra-t-on danser sur du Susanne Sundfør dans les nightclubs de Norvège et d’ailleurs à partir du printemps prochain? C’est ma foi fort possible. L’influence 80’ perceptible tant sur Let Me In que sur Fade Away ressort en tout cas de manière éclatante sur le titre central de Ten Love Songs, qui pourrait être décrit comme une tentative plutôt réussie de faire entrer la dance musique dans l’univers sundførien. C’est toutefois la formidable expressivité de la voix de Susanne, capable de passer du susurrement transi à l’imprécation impérieuse en l’espace d’une seconde, qui fait de Kamikaze un morceau attachant, dans lequel nouveaux et anciens fans peuvent et pourront se retrouver.

Susanne 15

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Suivit une petite pièce de facture classique, exécutée sur the coolest piano ever (dixit Sundfør elle-même) par une Mégane Kovacs ayant désertée pour l’occasion sa console en fond de scène. La raison d’être de cet interlude n’ayant pas été expliquée, on supposera qu’il s’agissait de la transition prévue entre Kamikaze et Memorial (ces deux morceaux devant se succéder sur l’album), exécutée pour la forme et la beauté du geste à Bergen. Le fameux piano prodigue résonnait encore des accords de cette mystérieuse incartade que Sundfør enchaînait sur un superbe Can You Feel The Thunder, première visite du côté de la tracklist de The Silicone Veil.

Le titre suivant, Silencer, précédé par un passage de guitare assez peu académique (plonk), nous ramena six ans en arrière, à l’époque de Take One. Jamais en effet à ma connaissance Sundfør ne s’était accompagnée à la guitare depuis l’enregistrement de ce second disque en 2008. Cette ballade délicate, dentelle d’arpèges discrètement doublée de quelques nappes de synth bass, constitua pour ma part la plus belle surprise de la soirée, autant à cause de son interprétation parfaitement maîtrisée que pour la richesse qu’elle augure pour Ten Love Songs, qui s’annonce de fait comme l’album le plus éclectique de l’artiste à date. Un constat encore renforcé par la découverte de Slowly, qui, loin de ce que laissait envisager son titre laconique, s’avéra être une composition disco avec basse élastique et battements de mains sur le refrain, comme à la grande époque. Vous avez bien lu.

Susanne 8

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Cette séquence découverte de Ten (very different) Love Songs fut suspendue pendant cinq minutes, soit le temps nécessaire pour interpréter une version amoureusement iconoclaste de Diamonds, à l’image de l’introduction a cappella plus incantée que chantée, à mille lieues de la parfaite plénitude de la version studio. Reste qu’à la fin du morceau, le premier rang de l’USF Verftet était bien le paradis terrestre promis par Sundfør.

La dernière partie du set fut l’occasion de se familiariser avec un nouveau mouvement de Ten Love Songs, soit l’ensemble Accelerate + Fade Away, enchaîné pour l’occasion comme ce sera le cas sur l’album. Débuté par un motif oriental évoquant un peu le riff à l’oûd du C’est Déjà Ca d’Alain Souchon (ceci est un live report documenté), rapidement intégré dans un canevas new wave 2.0 (eh, il y avait des tambourins!), Accelerate poussa l’expérimentation jusqu’à incorporer un sample de la Fugue en Ré Mineur de Bach (ceci est un live report de plus en plus documenté) là où la plupart des morceaux se contentent d’un pont plus classique. S’il y a bien une chanson du futur album dont j’ai hâte de découvrir la version studio, c’est celle-ci. Comme expliqué plus haut, le final d’Accelerate laissa apparaître comme par magie le tempo de Fade Away une fois réduit à la simple association de la batterie et des synthétiseurs: si vous vous demandiez pourquoi le premier single de Ten Love Songs démarrait si rapidement, vous tenez votre réponse. Très au fait de la situation, le public de Bergen ne manqua pas de faire un triomphe à ce déjà quasi-classique dès que Susanne Sundfør eut confirmé que c’était bien the sound of your heart dont il était question (et pour ceux qui se le demande, et je sais qu’ils sont nombreux, ce fut le glockenspiel qui, en l’absence d’un véritable four à micro-ondes, vint marquer la fin du deuxième couplet).

On ne parle pas assez du calme après la tempête. En cette soirée du 15 Novembre, ce fut l’incontournable The Brothel qui se chargea de réduire au silence les fans les plus échauffés par la démonstration de force des minutes précédentes, les conversations mourant d’elles-mêmes au fur et à mesure que s’invoquaient les brumes sonores servant d’écrin à la monumentale maison close du repertoire sundførien. Pourra-t-on jamais se lasser de ce chef d’oeuvre absolu (un indice, la réponse est non)? Le mot de la fin revint au justement, si cruellement, nommé It’s All Gone Tomorrow, ou IAGT pour les intimes, qui vint rappeler à tous qu’à moins d’avoir pris des places pour les concerts de Stavanger et/ou d’Oslo, il faudrait bientôt passer à autre chose. Un sursis momentané était cependant possible en cas de bruyante manifestation d’enthousiasme après le départ de scène du groupe, et il faut croire que les 1200 de l’USF Verftet se montrèrent assez convaincants puisque, devinez quoi…

Susanne 1

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Le rappel concédé de bon coeur par les héros de la soirée débuta par le retour d’un serpent de mer dont les fans attendaient la réapparition depuis plus de trois ans et demi. Memorial, ce nom ne parlera sans doute pas à tout le monde, mais ne manquera de susciter un vif intérêt chez ceux ayant gardé quelque souvenir du Kontorkoncert donné par Sundfør en Avril 2011. À l’époque, nombreux furent ceux qui espéraient retrouver ce titre sur le successeur de The Brothel (The Silicone Veil donc, même si aucun nom ne circulait encore à ce moment). L’histoire devait finalement en décider autrement, et Memorial être écarté de la tracklist du cinquième album. La possibilité de précommander Ten Love Songs sur iTunes permit de statuer une fois pour toutes sur le sort réservé par l’artiste à sa création, le morceau figurant en sixième position parmi les dix titres annoncés. Un bonne surprise n’arrivant jamais seule, les plus observateurs ne manquèrent pas de remarquer que cette version studio ne durait pas moins de 10 minutes, un format épique laissant espérer de substantielles modifications par rapport à l’ébauche proposée en 2011 (suivant l’exemple d’Among Us, dont la version officielle diffère fortement de ce qu’on en avait pu entendre auparavant).

Susanne 16Le concert de Bergen n’a pas permis de répondre à toutes les questions entourant Memorial (tant mieux), l’interprétation live ne durant “que” 5 minutes 30, mais fut toutefois riche d’enseignements. Si la mélodie est restée assez similaire au fil des années, et qu’il est toujours question d’une robe enlevée et jamais remise (you took off my dress and never put it on again), le reste des paroles a subi un gros travail de réécriture (avec un rappel d’un passage de Slowly: c’est officiel, Ten Love Songs sera un concept album). La différence la plus notable est toutefois venue des arrangements, le morceau laissant désormais la part belle à la guitare (une nouvelle fois tenue par Susanne, comme pour Silencer) là où le clavier régnait autrefois sans partage. Que dire de plus sinon que l’attente va être longue, très longue jusqu’au 16 Février prochain?

Une cadence métronomique instantanément reconnaissable vint ensuite rappeler à l’audience que les rappels étaient aussi le moment idéal pour jouer des classiques bien établis, catégorie à laquelle White Foxes appartient désormais totalement. La toute dernière cartouche de la soirée, le sybillin Your Prelude fut quant à lui l’occasion pour Sundfør de fouler totalement aux pieds son image d’interprète introvertie, en partant en slam sur la foule en délire* incitant le public à battre la cadence sur le final de la chanson. C’est peut-être un détail pour vous, mais pour moi ça veut dire beaucoup (et, oui, elle joue du piano debout). Peut-on en conclure qu’elle a autant apprécié sa soirée à l’USF Verftet que nous autres qui étions de l’autre côté du miroir? J’espère de tout cœur que ce fut le cas, et que les autres dates de la tournée se révélèrent être aussi gratifiantes pour toutes les parties en présence. En tout cas, le petit Frenchie du premier rang te dit tusen takk Susanne.

*: restons sérieux deux minutes

Setlist Susanne Sundfør:

1)Darlings 2)Lilith 3)Kamikaze 4)Can You Feel The Thunder 5)Silencer 6)Slowly 7)Diamonds 8)Accelerate 9)Fade Away 10)The Brothel 11)It’s All Gone Tomorrow

Rappel:

12)Memorial 13)White Foxes 14)Your Prelude

Susanne 13

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Au final, je suis sorti tout à fait rassuré et très satisfait de l’USF Verftet après cette soirée mémorable. Pour autant que je puisse en juger, Ten Love Songs présente tous les gages de qualité que l’on peut attendre de la part d’un disque de Susanne Sundfør, tout en s’annonçant comme plus accessible que ses trois prédécesseurs immédiats (comme Susanne Sundfør a pu l’être en 2007). Ce parti pris représente certes un pari assez audacieux, certains fans de The Brothel et de The Silicone Veil pouvant juger d’un oeil critique cette réorientation mainstream (le mot est lâché), mais je reste persuadé, sur la foi de mon expérience de spectateur et sur mon (lourd) passif d’aficionado de l’univers de la demoiselle, que ce choix s’avéra payant et que l’immense majorité trouvera son bonheur dans la décalogie amoureuse à venir. Il se pourrait même que Ten Love Songs soit l’album de la reconnaissance internationale pour Susanne Sundfør, méga star norvégienne et micro phénomène à peu près partout ailleurs (le monde est mal fait). Rendez-vous dans trois mois pour une éventuelle confirmation de ce pronostic enthousiaste mais non extravagant, ainsi que pour un retour détaillé sur ce sixième album. D’ici là, restez à l’affût: c’est un hiver à renards qui s’en vient. À renards blancs, bien entendu.

W.H.A.T.T. (N.O.W.): NO MORE WORDS – REFLEXIONS SUR LE DROIT DE RETRAIT DU BLOGGUEUR MUSICAL

Mardi dernier, je suis allé voir Triggerfinger à la Batterie, petite salle très sympathique de la banlieue ouest parisienne. Comme à mon habitude, j’avais rassemblé mon matériel de live-chroniqueur (Gopro, enregistreur, carnet de notes), afin de pouvoir préparer dans les meilleures conditions l’article que j’avais prévu de rédiger à propos de cet évènement. Cependant, au moment de partir pour la Batterie (la salle de concert en question), j’ai – volontairement – laissé tout mon attirail de reporter au bercail, me contentant d’attraper mes fidèles earplugs (on ne rigole pas avec ça, surtout quand c’est Triggerfinger, alias le plus grand groupe stoner belge de tous les temps, qui régale) avant de partir.

Plusieurs raisons peuvent être avancées pour justifier ce choix, pour le moins inhabituel. Premièrement, j’étais assez fatigué ce soir là, et ne voulais pas me charger plus que nécessaire. Même si les « outils » que j’utilise pour alimenter ce blog ont été spécifiquement choisis pour leur légèreté et leur faible encombrement*, je ne me voyais pas les (sup)porter pendant les quelques deux heures que durerait la soirée.  Deuxièmement, je n’étais pas convaincu de pouvoir retirer de ce concert des enregistrements (tant vidéo qu’audio) probants: n’ayant pas pu ni voulu mettre toutes les chances de mon côté en arrivant tôt à la salle pour pouvoir me coller le plus possible à la scène (seule façon d’obtenir des images à peu près nettes avec une Gopro), et me doutant que l’overdose de décibels risquait fort de saturer les micros de mon Zoom, je me suis facilement laissé convaincre par mon organisme amoindri (voir argument n°1) de ne prendre qu’avec moi que le strict nécessaire. Troisièmement, j’imaginais (stupidement) que ma bonne connaissance – toute relative, n’ayant pas exemple pas jeté une oreille sur le dernier disque du trio belge, By Absence Of The Sun – du groupe et le fait de les avoir déjà vu en live à six reprises me permettraient de pondre un article convenable en me basant uniquement sur mes souvenirs de la soirée.

*: Faisant partie des gens considérant d’un œil mi goguenard, mi agacé les caméra(wo)men amateurs passant la moitié du concert à filmer la scène avec leur smartphone, j’ai pris bien soin de ne pas pouvoir être identifié à cette catégorie de personnes (merci Gopro).

Toutes ces raisons, développées a priori du concert, m’ont amené à assister à ce dernier « les mains dans les poches » (sauf au moment d’applaudir, évidemment). Pour recevables qu’elles étaient, j’avais cependant le sentiment désagréable de n’avoir pas été au fond du problème, et de ne pas avoir identifié la véritable cause de ce comportement réfractaire. Cette question m’a travaillé pendant toute la semaine, et après d’intenses ruminations, je pense avoir finalement touché le cœur du problème: si je n’ai pas pris mon équipement ce soir là, c’est que je n’avais pas vraiment envie d’écrire un article sur ce concert. Tu parles d’une auto-analyse! Freud aurait été fier de moi (même si je suis à peu près sûr que ce manque d’envie n’avait absolument rien à voir avec quelque guéguerre intime entre le ça, le moi et le surmoi - du moins je pense – ).

Une fois cette première étape atteinte, il fallait essayer d’aller plus loin. Pourquoi diable n’avais-je pas eu envie d’écrire un billet sur ce concert? Triggerfinger est un groupe que j’aime énormément et dont les performances scéniques sont toujours mémorables: le trio apparaissait donc de prime abord comme un candidat idéal pour ce genre d’exercice. Et pourtant, cette fois, ça n’avait pas suffi à me convaincre que le jeu en valait la chandelle. Certes, mon emploi du temps est beaucoup plus chargé qu’il ne l’était au moment de la création de ce blog**, ce qui peut expliquer en partie ma réticence à prendre la plume pour relater cette n-ième rencontre avec les pistoleros d’Anvers, d’autant plus que je devais terminer l’article consacré à la deuxième Cigale de Christine And The Queens. J’ai de plus quelques honteux précédents de concerts non-chroniqués pour cause de fainéantise crasse et de procrastination éhontée (Junip au Trabendo, Neil Young à Bercy, The Jezabels à la Maroquinerie, sans compter cette série d’articles sur l’Eurovision qui n’a jamais dépassée le stade de l’ébauche…): il n’est pas impossible que ces malheureux exemples (que je regrette mais avec lesquels j’arrive très bien à vivre) aient joué un rôle dans ma décision de passer sous silence cette soirée à la Batterie. Tous ces éléments de conjoncture apportent des justifications recevables, mais ne suffisent pas à expliquer à eux seuls cette surprenante regimbade, qui condamne de fait ce concert à un oubli plus ou moins rapide***.

**: Souvenir ému de l’été-automne 2012, où j’ai pu assister à 6 festivals et 17 concerts et faire un live-report pour chacun d’entre eux… L’inactivité professionnelle n’a pas que des mauvais côtés.

***: Ce blog a été en grande partie créé pour faire office d’aide-mémoire détaillé et illustré, votre serviteur ayant constaté avec effroi que ses souvenirs des concerts auxquels il avait assisté auparavant s’étaient changés en magma informe d’images et de sensations à plus ou moins brève échéance. 

La vérité est que je n’ai pas écrit ce live-report parce que je ne savais pas quoi raconter de nouveau par rapport aux quatre précédentes chroniques consacrées à Triggerfinger (Solidays, Vieilles Charrues, Ronquières, Nouveau Casino). J’avais l’impression d’avoir déjà abondement exprimé toutes les raisons pour lesquelles je pensais qu’il s’agissait d’un groupe exceptionnel, possédant un répertoire capable de séduire au delà des fanatiques du stoner rock, composé d’individualités fortes, incroyablement charismatiques et absolument complémentaires, et dotées d’une présence scénique hors du commun, due autant à leur talent de musiciens qu’à leur générosité et à leur tendance à la déconnade (qui n’a jamais vu Mario se coincer le nez dans son charley ou Mr Paul poser en caleçon pour une contreplongée audacieuse devrait suivre de plus près les Triggerfinger). Tout ceci, je l’avais déjà raconté à quatre reprises, en développant plus ou moins certaines parties au gré des performances, de mes souvenirs de ces dernières et de mon état d’esprit au moment de l’écriture. Et même si mon dernier live-report consacré aux Trig’ remonte à presque deux ans maintenant, je ne pensais pas avoir assez renouvelé mon approche du sujet pour pouvoir me fendre d’un article répondant aux critères d’originalité que je me suis fixé pour ce blog.

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À y réfléchir, le cas Triggerfinger n’est pas la première fois où ce problème s’est posé. Je me souviens que l’écriture du live-report du concert des Of Monsters And Men à l’Olympia en Juillet 2013 m’était apparue comme une corvée sans nom, quand bien même je n’éprouvais, et n’éprouve encore aujourd’hui, que de l’affection pour cette sympathique kyrielle d’Islandais. Résultat: un article où j’avais lourdement suggéré que le groupe tournait maintenant avec le pilote automatique, symptôme révélateur d’une trop longue tournée, sans cesse rallongée de nouvelles dates pour capitaliser sur l’engouement populaire suscité par OMAM. Avec le recul, je pense que je n’aurais pas du écrire ce billet, pour lequel j’ai du recourir à la critique à peine voilée pour me démarquer un tant soit peu du live-report rédigé à l’occasion du Trianon de Mars 2013. Le fait que le groupe ait choisi de conserver pratiquement la même setlist d’un concert à l’autre n’a évidemment pas joué en ma faveur, mais ne justifiait pas mon parti pris agressif: ce deuxième concert était d’un très bon niveau, et je n’avais pas le droit de le critiquer pour la simple raison que j’avais eu la chance de voir Of Monsters Of Men à deux reprises auparavant. S’il y a une quatrième fois, je prendrai bien soin de peser le pour et le contre avant de décider de coucher – ou non – mon expérience par écrit.

Il ne s’agit pas là de s’assurer de ne poster que des articles élogieux, ce qui réduirait l’intérêt de ce blog à néant, ou peu s’en faut. Je me réserve le droit de faire part de ma déception quand j’estime que celle-ci à des raisons valables et qu’il pourrait être intéressant de la partager avec autrui. L’objectif est de savoir quand un article de ma part n’apporterait rien de nouveau, pour cause de redite plus ou moins franche de précédents billets. Dans ces cas là, j’estime plus pertinent de faire jouer mon droit (devoir?) de retrait.

Pour la plupart des artistes auxquels j’assiste aux concerts, cela signifiera deux, voire trois couvertures maximum sur une période donnée (disons un an, soit la durée moyenne d’une tournée internationale). Le premier article traite de la découverte (sur scène ou tout court, on n’est jamais à l’abri d’une bonne première partie) d’un nouveau talent, et joue sur le registre de l’émotion et du ressenti plutôt que sur celui de « l’érudition ». Le deuxième article, celui de la confirmation, se base généralement sur une connaissance plus conséquente, et permet donc d’entrer davantage dans le détail de la performance. C’est également l’occasion de documenter sérieusement le concert, en filmant et en enregistrant le set. Le troisième article enfin, est celui de la comparaison: je reprends la logique du second billet et essaie de voir s’il y a eu des évolutions par rapport au concert précédent.

Pour Triggerfinger, la limite à ne pas dépasser était donc quatre. Pour Of Monsters And Men, elle était de deux (et a malheureusement été franchie). Pour Susanne Sundfør… j’espère honnêtement ne jamais le savoir, et encore moins l’excéder. Je pense avoir encore de la marge ceci dit…

Il n’y aura donc pas d’article sur la soirée du 7 Octobre 2014 à la Batterie sur S.A.U.S.O.R.O., et je pense que c’est beaucoup mieux ainsi. Ce concert fut malgré tout très agréable (excepté les petits problèmes de sonorisation du micro de Ruben), avec des nouveautés par rapport au Nouveau Casino mais suffisamment de classiques pour: 1) permettre au fan obsolète que je suis de ne pas être complètement paumé, mais aussi pour 2) convaincre le rédacteur que je suis également de consacrer ses soirées à autre chose qu’à l’écriture d’un compte-rendu détaillé, imagé et drolatique (on y croit) de cette sixième représentation des Triggerfinger. Je suis, que voulez-vous, sous mes abords décontractés et un brin rustiques, un être complexe. Mon seul regret dans toute cette histoire: n’avoir du coup pas la possibilité de dire tout le bien que j’ai pensé d’Astonvilla, première partie de luxe que les amateurs pourront retrouver au Trianon le 21 Octobre prochain, afin de fêter dignement les 20 ans de ce discret monument du rock français. Ah bah tiens, j’ai réussi en à parler quand même. L’honneur est sauf. 

CHRISTINE AND THE QUEENS @ LA CIGALE (01.10.2014)

La Cigale: c’était donc là que tout se passait. Il flottait un parfum d’été sur Pigalle en cette fin d’après-midi, la première du mois d’Octobre 2014. Deux ans plus tôt, presque jour pour jour, l’occupante du 122, boulevard Rochechouart ouvrait pour les Naive New Beaters dans une petite salle d’Aulnay sous Bois. Seule en scène avec son mac, elle avait réussi à embarquer dans son univers so freaky la trentaine de personnes s’étant déplacée pour  la pop electro festive et débraillée du trio de L.A. Une performance remarquable, révélatrice d’un potentiel immense et encore sous-exploité. Six mois plus tard, un Nouveau Casino plein comme un œuf accueillait le premier concert en tant que tête d’affiche de CATQ. Puis vint le 3ème EP, la nomination aux Victoires de la Musique, le premier album, les Olympias et les festivals. Une montée en puissance régulière et irrésistible, dont les deux soirées à la Cigale constituent une étape logique et attendue par les nombreux fans franciliens des Queens. Narcissus is back in town, darlings.

Resté sur la capitale après sa participation à la finale Inrocks Lab 2014, l’annecien BENY LE BROWNIES, pépite délaissée de l’ETG dans son jeune temps, eut la lourde tâche de chauffer une salle assez indifférente, seulement armé de son micro et de sa demi-casquette blanche. Difficile en effet de s’attirer les faveurs du public de la reine Christine quand tu donnes dans le rap naturaliste français, et à plus forte raison quand une sonorisation imparfaite rend inintelligible la moitié de ton flow. D’une humeur magnanime, le parterre de la Cigale se prêta toutefois au jeu des gimmicks avec juste assez d’énergie pour éviter le flop complet à Beny (merci pour lui). Une flopée de Mollares* fut donc mollement échangée en conclusion de la demi-heure de concert du Brownies, qui revisita également et le J’ai Mal Au Mic d’Oxmo Puccino (référence évidente et assumée, à défaut d’être égalée), et le style chorégraphique de Christine sur Don’t Stop ‘Til You Get Enough avant de repartir en coulisse sous les applaudissements du public. C’est ce qu’on appelle réussir sa sortie.

*: N’a pas l’élégance de Kiss My Crass qui veut.

Beny le Brownies 1

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Débarrassée des platines du DJ de Beny le Brownies, la scène de la Cigale apparaissait curieusement vide pendant l’entracte, seules deux petites estrades placées en retrait de la cour et du jardin indiquant la prochaine arrivée de CHRISTINE AND THE QUEENS (ou plutôt de ses musiciens). Seuls indices laissés par l’équipe technique pendant l’entracte: une poignée de paillettes dorées et une lampe dotée d’une ampoule évoquant plus la boule de cristal de Madame Soleil que la composante de ton plafonnier Ikea GÅSGRUND de base, ami lecteur; toutes deux abandonnées sous le nez du premier rang d’une fosse entrant tranquillement en ébullition à mesure que se rapprochait l’heure fatidique.

Pourquoi tant d’espace me demanderez-vous? Eh bien, mais pour danser pardi! La démonstration en fut faite dès le premier morceau du set, un Starshipper à mi-chemin entre performance « à l’américaine » et danse contemporaine. Encadrée par ses deux danseurs, Christine plaça ce début de concert sous le signe de l’intensité scénique (magnifique Half Ladies à la chorégraphie synchronisée avec la projection sur le fond de la scène). En choisissant de commencer son tour de chant par trois de ses morceaux les plus forts (Starshipper, Half Ladies et IT traitent tous trois du rapport à son corps et à son sexe), elle donna également à cette introduction des allures de manifeste, en rappelant l’importance et l’influence des Queens dans et sur son projet.

CATQ 3

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Passé ce triptyque inaugural, qui ne fut en rien aussi pesant que ce que le dernier paragraphe peut laisser à penser – je n’ai pas le talent de Christine pour concilier profondeur du message et excellence de la présentation -, débuta la partie « reprises » du show. On commença donc par les Paradis Perdus de Christophe*, premier morceau « statique » du concert, mais dont le plébiscite n’en fut en rien amoindri. Puis vint la séquence R’N’B, comprendre les Photos Souvenirs de William Sheller, pendant l’interprétation desquelles on put vérifier que le public était toujours totalement largué à partir de Passy (laisse-nous encore un peu de temps Christine…). Christine (que j’inclus dans cette séquence reprise, car je la considère être celle de Cripple) nous permit de faire la connaissance Léonii-iii-ii-iie, Xavie-e-er et Johaa-aaan. Enfin, un Amazoniac (Yves Simon) un peu bâclé vint clore ces vingt minutes d’hommages aux glorieux aînés.

La vitesse de croisière atteinte et la glace brisée depuis longtemps (note: Christine chante bien, danse bien et sait faire rire son public), la setlist se mit à alterner les tempos et les époques, en commençant par l’incontournable Narcissus Is Back de l’EP Mac Abbey. Suivit Ugly-Pretty, où le balcon se leva effectivement, puis l’inédit Intranquillité/Dessassossego (futur grand classique). Saint Claude fit retomber la pression pour quelques minutes de quasi-recueillement quasi-lacrymal, avant que The Loving Cup ne fasse remonter en flèche l’attitudomètre de la Cigale. Enfin, Here - et son superbe clip vidéo – vint, comme sur l’album, conclure une prestation impressionnante de maîtrise, de générosité et d’émotion. Enfin, quand je dis conclure…

CATQ 6Car vous vous doutez bien que le public ne laissa pas partir CATQ aussi facilement. Nous eûmes ainsi droit à deux rappels: le premier constitué d’une version piano voix de Safe & Holy où Christine, sain(t)e et sauve dans son halo de lumière, démontra avec brio que la reine des arrangements électroniques maîtrisait également les arcanes de la performance acoustique. Nuit 17 À 52, dans un second temps, permit (enfin) à la Cigale d’accompagner son idole de manière audible, tout en dégainant pour l’occasion qui son iPhone X (pour les plus riches), qui son briquet (pour les fumeurs), qui son gadget lumineux (pour tout le reste). Et n’en déplaise à la principale intéressée, il y avait plus que quelques étoiles.

Le deuxième rappel ne tint qu’en un seul morceau, dont le titre résumait à lui seul la soirée presque écoulée. Assise sur le piano, son fameux bouquet de fleurs à la main, Christine nous initia tous à la Chaleur Humaine. Le tonnerre d’applaudissements qui accueillit cette ultime chanson permit de prolonger le plaisir de quelques mesures a cappella de The Way You Make Me Feel. Un concert de Christine And The Queens sans Michael Jackson? Impensable voyons.

*: En lequel Christine s’était déguisé lors du morceau précédent, Science Fiction, à l’aide d’une paire de lunettes rondes. En tout cas, c’est comme ça que je le vois. 

CATQ 7Setlist Christine And The Queens:

1)Starshipper 2)Half Ladies 3)IT 4)Science Fiction 5)Paradis Perdu (Christophe Cover) 6)Photos Souvenirs (William Sheller Cover) 7)Christine 8)Amazoniac (Yves Simon Cover) 9)Narcissus Is Back 10)Ugly-Pretty 11)Intranquillité/Dessassossego 12)Saint Claude 13)The Loving Cup 14)Here

Rappel 1:

15)Safe And Holy 16)Nuit 17 À 52

Rappel 2:

17)Chaleur Humaine

Que retenir de cette soirée à la Cigale? D’abord que CATQ n’en finit plus de confirmer son potentiel, et qu’elle est désormais une des jeunes chanteuses les plus accomplies et les plus enthousiasmantes de la scène française. Ensuite que sa « très longue première partie se passant extrêmement bien » (sic) risque fort de se poursuivre longtemps, juste et logique reconnaissance venant couronner un parcours sans faute. Enfin qu’il faut aller voir (et revoir) Christine, ses danseurs et ses musiciens sur scène, qui constitue leur milieu naturel et dans lequel ils font véritablement vivre les magnifiques morceaux de la première. Profitez-en, la tournée se poursuit. 2014 restera freaky jusqu’au bout, baby.

STEINKJERFESTIVALEN 2014 – PART 2 (26/27/28.06.2014)

Après une nouvelle « nuit » passée à essayer de dormir, suivie d’une nouvelle matinée passée à essayer de se réveiller, il était temps d’aborder le grand final de cette neuvième édition du Steinkjerfestival. Sur le papier, la conclusion de ce samedi paraissait bien plus attrayant que le programme des premières heures, mais, et c’est la magie de ce type d’évènement, il s’avéra que la qualité resta aussi homogène que haute de 15h à 01h du matin. Que demande le peuple?

Samedi midi au camping du Steinkjerfestival: même plus besoin de sortir de la tente!

Samedi midi au camping du Steinkjerfestival: même plus besoin de sortir de la tente!

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Le samedi est un jour un peu spécial au Steinkjerfestival, en ceci que les organisateurs transforment le site en gigantesque aire de jeux pour têtes (forcément) blondes en début d’après-midi, avant de rebasculer en mode musique pour le reste de la journée. Entre les ateliers de maquillage, les stands de jeux, les spectacles de rue, l’école de cirque et les tours de poney, il y en avait vraiment pour tous les goûts. Pour ma part, j’ai simplement regretté que le tremplin musical dont j’avais été témoin au cours de ma dernière visite ait été annulé, même si un grand nom de la scène norvégienne avait été invité en guise de remplacement.

En effet, MARTIN HAGFORS faisait office de clou du spectacle pour cette première partie de journée, et monta sur la NTE Scenen à 16h pour le plus grand plaisir des 3 – 10 ans. Si vous ne connaissez pas le personnage, sachez qu’il s’agit d’un chanteur américano-norvégien que l’on pourrait qualifier d’engagé (Company Oil, Blood For Oil, Freedom For The Hounds), et dont le dernier album (I Like You) était vraiment excellent – et je ne dis pas ça parce qu’il a été produit par Lars Horntveth et que Susanne Sundfør (1ère) a fait les chœurs sur deux morceaux – . Avec sa voix plaintive, son éternelle casquette militaire et ses participations à des rallyes politiques, Hagfors s’inscrit dans la droite lignée des chanteurs de folk américains, de Woody Guthrie à Peter Seeger. Mais ça, c’était avant.

Car Martin Hagfors a plus d’une corde à son arc, et n’était certes pas venu, comme vous vous en doutez bien, titiller le sens civique des bambins de Steinkjer. Ayant multiplié collaborations et projets musicaux au fil des années, le Hagfors version 2014 (spécialisé dans la chanson enfantine) était venu présenter son spectacle à succès MEG OG KAMMERATEN MIN (traduction: moi et mon copain) en compagnie de son complice Håkon Gebhardt – ex Motorpsycho – . Il n’y a qu’en Norvège que ce grand écart artistique est possible*, la chanson pour enfants étant perçue comme un sous-genre dans de nombreux pays (la France y compris), et ses interprètes passant toute leur carrière à creuser ce sillon.

*: La littérature est également concernée: le grand Jo Nesbø lui-même a ainsi débuté une série pour enfants, dont le premier tome porte le nom évocateur de « Doktor Proktors prompepulver », soit « La Poudre à prout du professeur Séraphin » en VF. Ca te fait rire couille de loup? L’équivalent français de cette digression juvénile pourrait être Serge Brussolo, avec ses séries Peggy Sue et Sigrid, encore que ces dernières s’adressent plus à un public adolescent qu’enfantin.

Martin Hagfors

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Quoi qu’il en soit, il fallait parler couramment le norvégien et avoir au choix moins de 99 mois ou plus de 99 ans pour apprécier pleinement la mini comédie musicale donnée par Hagfors et Gebhardt, apparemment articulée autour du personnage du « Roi des rats » (figurines en mousse à l’appui), d’après le peu que j’en ai compris. Ne répondant à aucun de ces deux critères, j’ai rendu ma carte d’adhérent après une petite demi-heure, découvrant sur le chemin du retour à la tente une effroyable nouvelle placardée sur les portes de l’Eglise: INGRID, souffrante, annule son concert solo dans le dit lieu consacré. Helvete!

Consolation importante, le concert de Highasakite (le groupe dont Ingrid est la chanteuse) était lui maintenu. Attendant beaucoup de l’une et l’autre prestation, je fus très déçu de ce coup du sort, même si avec le recul (et la découverte du premier et unique album de Mlle I.) je me demande bien ce à quoi le récital de la grande prêtresse lucanophile – ce terme existe - aurait donné. Non pas que Babylove soit mauvais, bien au contraire, mais ce n’est pas le genre d’album qui passe très bien en live à mon avis (à moi de faire une fixation sur l’huile de moteur et/ou la bière istanbuliote). À toute chose malheur est bon cependant, puisque ce désistement me permit de découvrir un groupe que j’avais déjà zappé lors de l’édition 2012 (et croyez bien que je le regrette maintenant, car il est beaucoup plus sympa que D.D.E.).

Mais remontons d’abord un peu le temps, pour revenir au premier concert de la journée. La suppression du tremplin musical du samedi matin n’ayant pas été si sèche que ça, le créneau de 15h avait été réservé aux vainqueurs d’une sorte de concours local, qui se trouvèrent être les SUGARFOOT. C’est ainsi que, en plein milieu du centre aéré géant qu’était devenu le Steinkjerfestival à ce moment précis de la journée, et avant que Meg Og Kammeraten Min n’investisse les lieux, la NTE Scenen accueillit un authentique groupe d’ americana-country (j’en veux pour preuves le fait que 1) l’un des musiciens jouait de la steelpedal et 2) ce même musicien aurait pu remporter le concours de sosies de David Crosby – période CSNY – même s’il s’était (presque) coupé les cheveux). Malgré une audience famélique – bizarrement, les enfants n’aiment pas ce genre musical -, la performance du sextuor fut tout à fait honorable, avec quelques envolées instrumentales savoureuses.

Et non, cette photo n'a pas été prise pendant les balances...

Et non, cette photo n’a pas été prise pendant les balances…

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Il y a des musiciens qui semblent prendre un malin plaisir à braver crânement les règles les plus élémentaires du marketing et de la communication promotionnelle. Même s’ils prouvent ce faisant leur détachement (admirable) par rapport aux trivialités que sont la course à la médiatisation et à la reconnaissance du grand public, réservant leur art à la poignée de happy few ayant eu le bonheur de les découvrir aux hasards des courants et des rencontres, je ne peux m’empêcher de penser que cette attitude est plus dommageable qu’autre chose, et que les ayatollahs de l’obscurantisme seraient toujours mieux inspirés de ravaler leur pureté nihiliste pour, ne serait-ce qu’une fois dans leur parcours, se plier aux règles du jeu de l’industrie musicale.

Par exemple, en se dotant d’un nom de scène un minimum « Google-friendly », ce qui constitue un atout considérable dans notre monde méga-connecté et hautement concurrentiel. Je m’étais fait cette réflexion il y a quelques temps déjà – après avoir passé quarante-cinq minutes à chercher, sans grand succès, le site de Indians à la suite de son concert au Café de la Danse en première partie de Perfume Genius – et ma position sur le sujet n’a pas bougé d’un iota depuis. Le fait que je vienne de perdre une demi-heure à localiser la page Facebook* de THE SOUTH n’est sans doute pas étranger à ce conservatisme militant. Mais laissez moi vous dire que ça en valait la peine.

Pourquoi? Parce que les gars de The South font du rock comme plus personne (ou presque) en fait de nos jours, en tout cas pas en Europe et pas à un tel niveau de maestria. Le côté sudiste du groupe s’exprime en effet par son amour immodéré pour le jeu à deux ou trois guitares électriques, les improvisations géniales et prolongées, et les prestations live faisant primer la qualité sur la quantité des morceaux joués (quatre en tout et pour tout en cinquante minutes).

Vous l’aurez compris, le Sud dont on parle ici est celui des Etats-Unis, de la fin des années 60 au milieu des années 70, à l’époque où le Grateful Dead chassait l’alligator en chantant des hymnes solaires, où Lynyrd Skynyrd prenait la défense de l’Alabama et ouvrait la cage aux oiseaux, et où la bande des frangins Allman faisait les trois huit au Fillmore East. Pour autant, il serait aussi mal avisé que réducteur de cantonner The South à cette ascendance illustre, nos compères étant tout à fait capables de s’illustrer dans d’autres styles, comme ils le prouvèrent avec l’introductif No Escape/Don’t Let Go, crossover réussi entre Echoes de Pink Floyd et Daylight Again de Crosby, Stills and Nash. Mais oui.

Mené par le virtuose barbu Alexander Pettersen et par la charmante Ida Jenshus, qui, en bonne copine, fit office de choriste/tambouriniste de luxe le temps d’un concert (et plus important, m’a permis de retrouver la trace du groupe sur le net par simple effet d’association, merci Ida), le sextuor imposa son approche vintage avec brio et passion et fut récompensé de son investissement par une foule nombreuse et enthousiaste. Je recommande vivement l’écoute de leur dernier album, …The Further Out You Get, qui ne vaut évidemment pas une performance live mais vous donnera sans doute l’envie pressante de découvrir The South sur scène. Si l’occasion se présente, ne la laissez pas passer.

*: Et comme si ça n’était pas assez dur comme ça, le groupe a eu la magnifique idée de publier un deuxième album éponyme. La Norvège n’est pas les pays des trolls pour rien.

The South 2

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Les trois heures qui suivirent se révélèrent moins passionnantes. Sur Rismelen et sous un beau soleil, MARIA MENA remplit de bonne grâce le quota de pop gentillette de cette édition 2014 (deux ans plus tôt, c’était Gabrielle). Même avec la meilleure volonté du monde, difficile de se satisfaire de ce genre de soupe quand on a fait 1700 bornes pour venir. Avec le recul, je pense que ça aurait beaucoup mieux donné en acoustique sur la scène de Klubben, mais les têtes d’affiche ont un rang à tenir, après tout.

Plus tard, le combo américano-danois REVEREND SHINE SNAKE OIL CO., sans doute abandonné dans la baie de Steinkjer par le Gulf Stream, essaya sans grand succès de convertir les habitants du cru à leur mélange de jazz/gospel/funk expérimental, sans doute un peu trop pour un dimanche après-midi et un festival familial. Claudius – Angeryman – Pratt eut beau mouiller la chemise avec application (sur les vingt minutes auxquelles j’ai assisté, le bougre a bien du perdre 8 litres de sueur), occuper la scène avec l’énergie de James Brown et beugler dans son mégaphone avec la hargne de Tom Waits, la sauce ne prit pas vraiment, et nous nous retrouvâmes donc nombreux à faire la queue pour assister au concert de MONICA HELDAL, brindille folk qui eut bien du mal à se faire entendre au dessus du brouhaha causé par les allers et venues ininterrompues entre l’intérieur de Klubben et les autres points chauds du Steinkjerfestival (la buvette, les stands nourriture, la consigne, le vendeur de goodies, les toilettes et la prestation du Reverend Shine, par ordre de popularité décroissant).

En raison de cette affluence record, je garde un souvenir assez flou de la performance de Miss Heldal et de ses musiciens, dont un guitariste lead assez impressionnant. J’en ai toutefois assez vu et entendu pour savoir que cela m’aurait sans doute beaucoup plus dans des conditions plus favorables. Les mystères du cerveau humain… J’eus également le privilège de voir passer l’organisateur de l’évènement, Svein Bjørge en personne, toujours impressionnant dans ses cuirs noirs. C’est par où le Mur, ser?

Hé, vous êtes passés où les gars?

Hé, vous êtes passés où les gars?

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À 21h15, retour à la NTE-Scenen pour réserver une place de choix pour LE concert de la journée, voire du festival en ce qui me concernait, celui de HIGHASAKITE. Malgré mon arrivée précoce (le coup d’envoi étant prévu pour 22h), je m’étais attendu à côtoyer plus de monde pendant ma veille au pied de l’estrade, mais la venue de la quintette magique à Steinkjer n’était  visiblement pas aussi attendue par les locaux que je l’avais supposée, puisqu’il fallut attendre le dernier quart d’heure pour qu’enfin l’auvent se bonde (p*tain c’est beau, on dirait du Bashung). Etonnant, au vu de la qualité soutenue (et croissante qui plus est) de la production du groupe, de son passage remarqué au Spellemannprisen 2013, et des racines Trondheimoises (mais oui ça passe) du combo.

Dès les premières note, je compris que l’on allait évoluer à un tout autre niveau que celui du mini showcase parisien d’Octobre 2013, réalisation attendue et espérée de ma part, mais dont l’immédiate confirmation ne fit qu’empirer mon écœurante satisfaction d’avoir une nouvelle fois cédé à l’appel des sirènes du Nord-Trøndelag. Et dire que j’avais bien failli ne pas faire le déplacement cette année pour une bête histoire de partiels. Sainte Ingrid, pardonne ce manque de foi passager, on ne m’y reprendra plus.

Nimbée de lumière trouble et d’un informe kimono-sweater, Håvik livra une prestation aussi intense que réservée, s’autorisant un sourire fugace entre chaque morceau en réponse des rugissements approbateurs de la foule. Prophétesse du steel-drum et de l’autoharpe au charisme magnétique, ses grands yeux bruns rêveurs perdus dans la contemplation d’horizons plus proches de la côte est américaine que de la table de mixage, Ingrid démontra pleinement qu’elle était l’âme et le cœur de Highasakite, et sans doute beaucoup plus que ça. On en reparlera dans 10 ans.

Highasakite 2

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À ses côtés, répartis par paires de part et d’autre de leur égérie, ses comparses se contentèrent de livrer une partition parfaite, leur professionnalisme discret mettant magnifiquement en valeur la richesse des arrangements de Silent Treatment, dont l’essentiel (Lover…, Leaving No Traces, Hiroshima, I, The Hand Grenade, Darth Vader, The Man on the Ferry, sans oublier les incontournables Since Last Wednesday et Iran) fut présenté en cette donc merveilleuse soirée du 28 Juin, ainsi que l’impressionnante présence scénique de leur meneuse.

Seul Kristoffer Lo, excentré sur l’aile droite de la scène, se permit quelques excentricités de bon aloi, comme souffler dans son flugabone comme s’il s’agissait de la trompette du jugement dernier, pour le plus grand plaisir des photographes présents en nombre dans la fosse des videurs. Cerise sur le gâteau, le groupe répara une bonne partie des dégâts émotionnels causés par l’annulation du concert d’Ingrid plus tôt dans la journée en interprétant une version superlative du meilleur morceau de Babylove, Marianna*.

Mission remplie donc avec brio pour les Highasakite, qui repartirent de Steinkjer sous les ovations méritées d’un public enthousiaste et conquis. Il ne reste plus qu’à espérer que le vent les pousse une nouvelle fois jusqu’à la France pour un petit concert, si possible dans de meilleures conditions que le premier en date. Un vœu pieux? Nous verrons bien…

*: Etrange comme les artistes norvégiennes sont capables de sublimer les sujets les plus glauques. Marianna raconte en effet pratiquement la même histoire que O Master (Susanne Sundfør, 2ème), celle du meurtre sordide d’une femme, possiblement par un amant/souteneur jaloux. 

Highasakite 1

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La nuit commençait à tomber doucement à mon retour devant Rismelen, pour le concert de la dernière tête d’affiche du festival. Et à propos de tête, celle de TIMBUKTU (car c’était lui), s’étalait de profil par 5 mètres sur 10 en fond de scène, comme le logo d’une bouteille de shampoing Schwartzkopf passé au microscope. Grosse poilade à l’arrivée, le bonhomme en question devant culminer à 1 mètre 65, casquette comprise*. Cherchait-il à surcompenser quelque chose? Le débat reste ouvert. Le mérite de l’artiste n’en est, lui, que plus grand, car il ne doit pas être facile de s’imposer comme une des références du hip-hop (genre musical dont les représentants masculins ont tendance à être taillés comme des armoires à glace) scandinave (région du monde où le rachitisme débute en dessous de 1 mètre 80) quand on a la carrure de Chantal Goya. Respect.

Accompagné du groupe Damn, formation instrumentale incorporant une section de cuivres, ce qui est toujours une bonne idée, le petit Prince de Suède vint confirmer son statut de méga star régionale, conquérant la foule de Steinkjer en deux temps, trois mouvements. Pour le grand néophyte que j’étais en la matière, je dois reconnaître que la prestation fut tout à fait appréciable, même si j’avoue n’avoir pas compris un seul mot en une heure et quart de show. Il va vraiment falloir que je me mette au suédois. L’énergie déployée par le farfadet à moustache, sa générosité dans l’effort et son flow énergique furent autant de raisons qui me poussèrent à rester jusqu’à la fin de sa performance, et même à attendre le rappel du rappeur. Ca, et le secret espoir – hélas non réalisé – qu’il récompense ses fans Norvégiens en interprétant Kapitulera, tube de 2011 sur lequel il avait convié – je vous le donne en mille – Susanne Sundfør (3ème). On ne peut pas gagner à tous les coups.

*: 163,9 centimètres, pour être tout à fait exact. Selon cet article, ce manque d’envergure aurait même constitué un motif de rupture avec une de ses anciennes petites amies.

 Timbuktu

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En conclusion de cette édition 2014, le quatuor rock BLACK DEBBATH (toute ressemblance avec un nom de groupe dont le chanteur décapite les chauves-souris à coup de dents serait purement fortuite) se chargea d’enfumer la NTE-Scenen, bien aidé par son attirail délirant comprenant, entre autres, des pieds de micro customs munis de guidons de moto et de fumigènes intégrés. Black Debbath, c’est la rencontre entre SAMCRO (le chanteur du groupe, Lars Lønning, ressemble d’ailleurs étrangement à Ron Perlman) et les Monty Python sur fond de hard rock (che)velu, ou encore la déclinaison norvégienne de notre Philippe Katerine national : c’est très drôle si on comprend les paroles, un peu moins dans le cas contraire, mais il y a toujours moyen de passer un bon moment.

Black DebbathArmé de son maillet de président et secondé par l’impayable Egil Hegerberg (déjà présent à l’affiche du festival en 2012 en tant que Bare Egil Band), Lars tenta tant bien que mal de créer une antenne Black Debbath à Steinkjer. Je pense qu’il dut finalement y arriver, puisque nous avons tous voté (et oui) pour quelque chose à un moment du concert, probablement pour notre rattachement à la grande tribu BD, dont les membres fondateurs œuvrent chacun dans une demi-douzaine de projet séparés (je vous conseille de jeter un œil sur Hurra Torpedo, pour apprendre à jouer Total Eclipse Of The Heart dans/à la cuisine) et se réunissent de temps en temps pour évangéliser une nouvelle paroisse. Quoi qu’il en soit, ce fut une conclusion tout à fait à la hauteur de l’évènement, qui se termina dans la bonne humeur et l’émotion avec une standing ovation pour Svein Bjørge. Pouvait-on rêver plus beau dénouement?

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Et c’est ainsi que s’acheva (pour moi en tout cas) l’édition 2014 du Steinkjerfestival. De retour sur les routes et les rails de Norvège le lendemain matin, j’ai quitté avec un pincement au cœur le Nord Trøndelag, direction Paris via Trondheim et Oslo. En conclusion de ce compte rendu, je ne peux que recommander à nouveau à tous ceux ayant l’occasion de faire le déplacement jusqu’à Steinkjer de réserver leur dernier week-end de Juin pour une virée chez les Vikings. Dépaysement garanti, environnement détendu, convivial et sécurisé, coups de cœur musicaux assurés et concerts d’exception : voilà une formule qui ne passera jamais de mode. Il ne me reste plus qu’à vous souhaiter une bonne rentrée à tous, et à vous donner rendez-vous pour une nouvelle année sonique sur le blog. Et je ne sais pas pour vous, mais le millésime 2014-2015 me plaît déjà énormément (et oui… 4ème). Vi ses!

STEINKJERFESTIVALEN 2014 – PART 1 (26/27/28.06.2014)

Retour au pays. Deux ans après avoir découvert le Nord-Trøndelag à la faveur d’une excursion dans la petite ville de Steinkjer, je repris le chemin du Nord de l’Europe (et donc de la Norvège, étymologiquement parlant) pour un nouveau week-end d’immersion dans la musique et la culture scandinave. Une fois parvenu sur place, après cinq heures d’avion, une heure et demie de train et quatre heures de retard sur l’horaire programmé, il était plus que temps de monter la tente et de se diriger, d’un pas un peu las mais léger, vers le centre-ville de cette paisible bourgade de 20.000 âmes, afin d’inaugurer la neuvième édition du (désormais culte) Steinkjerfestival.

Comme il y a deux ans, la soirée du jeudi vit se dérouler le « kick-off » du festival sur la plus petite des trois scènes (Klubben). Devant un public encore peu fourni, et constitué en bonne partie des volontaires en charge de la majorité de l’organisation de l’évènement (bravo et merci à eux au passage), la scène locale put donner pleine mesure de son talent. Les aléas de la météo m’ayant conduit à rater quelques transferts entre Roissy et Trondheim, je ne fus en mesure d’assister qu’à la fin de la prestation du dernier groupe programmé, CLARION CALL.

Clarion Call 1Avec 19 ans d’existence au compteur, les Clarion figuraient parmi les vétérans de cette édition déjà riche en « vieilles » gloires (voir la suite du report). Emmené par la paire Aarlott (Gisle, fondateur et guitariste, et Andreas, chanteur*), le groupe  déroula sa progpop avec maestria. Evoluant dans le sillage du Pink Floyd gilmourien (The Division Bell) et du Marillion post-Fish, Clarion Call distilla ses compositions aux atmosphères planantes et chaleureuses sans la moindre fausse note, Andreas Aarlott (d’abord connu comme frontman de Creaminal et manager au centre multimédia de l’université de Trondheim à la ville) se révélant parfaitement à l’aise dans son nouveau rôle et suppléant sans mal son homonyme au micro – jusqu’à cette année, Gisle Aarlott avait en effet la double casquette de chanteur-guitariste – . Venus avec deux choristes et quelques effets lumineux pour rehausser l’arrière de la scène, le groupe assuma sans frémir son statut de tête d’affiche de la soirée, et conclut ce premier jour de manière fort convaincante.

*: Aucun lien de parenté entre les deux compères apparemment.

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Le lendemain, après une matinée passée à tenter de récupérer du voyage (plus facile à dire qu’à faire au pays du soleil* de minuit quand on bivouaque dans une tente vert clair sur le territoire d’une bande de mouettes très démonstratives), et un début d’après-midi à flâner dans les faubourgs de Steinkjer (compter une demi-heure de marche pour épuiser le sujet) et à calculer le meilleur ratio apport calorifique/coût au Spar local, il fut enfin temps de se diriger vers l’église pour le premier concert de la journée. Première constatation une fois sur place: MODDI (car c’était lui) est une véritable star dans son pays natal, capable de remplir les 600 places du saint lieu en quelques minutes. Il faut dire qu’il s’agissait du premier concert de la chère tête blonde dans le Nord-Trøndelag, ce qui a forcément motivé les gens du cru à faire le déplacement. Pour ma part, relégué dans une contre-allée d’où l’on distinguait un peu la scène, jusqu’à ce qu’un couple de Norvégiens de taille standard (un petit mètre 85 de moyenne) encore plus en retard que moi ne décide d’investir le rang de devant, je ne pus que me jurer de m’y prendre plus tôt la prochaine fois, et remballer mes espoirs de prendre quelques images correctes en même temps que ma GoPro. Tant pis.

Thomas Jergel ©

Thomas Jergel ©

Beaucoup plus calme que lors de sa venue à la Flèche d’Or au printemps dernier, Moddi n’avait cependant rien perdu de sa bonne humeur communicative, et se fit un devoir d’abreuver les spectateurs de blagues tout au long de sa prestation (malheureusement, ma maîtrise imparfaite de la langue et le débit rapide du personnage se combinèrent pour me priver de la quasi-totalité de ce one man show drolatique, mais la gaieté est communicative, surtout avec un public aussi fourni). Venu avec sa fidèle choroncelliste (une choriste jouant du violoncelle, en abrégé), mais également un batteur, un bassiste et un pianiste, notre sympathique joker livra un set divisé pour moitié entre titres norvégiens et anglais. Parmi ces derniers, on put par exemple retrouver Poetry, Eli Geva et un conclusif – et incontournable – House by the Sea, tous déjà interprétés à Paris en Avril dernier. Cependant, nul besoin de préciser que le rendu à Steinkjer fut incomparablement supérieur, les instruments supplémentaires, l’acoustique du lieu et l’attention totale de l’audience se conjuguant pour accoucher d’une expérience proprement enchanteresse, même sans l’image. À la guitare ou à l’accordéon, seul ou accompagné, Moddi embarqua tout son monde dans son univers poétique, coloré et naïf avec une maîtrise consommée. À l’arrivée, les minutes filèrent une fois de plus trop vite (comme à chaque concert dans la Steinkjerkirke, une habitude définitivement douce-amère), et tout fut terminé beaucoup trop rapidement à mon goût. Ite, missa est.

*: Pour être exact, il faudrait plutôt parler d’une aube crépusculaire commençant tous les soirs à 23H et ne s’achevant qu’avec l’arrivée du soleil à 5H le lendemain.

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Arrivé à temps pour assister à la fin du set de FRIDA NATLAND, venue avec son groupe combler le vide entre Beth Hart et Ane Brun (entreprise louable, mais au final ni nécessaire, ni vraiment intéressante), je partis ensuite pour la grande scène (Rismelen), afin de découvrir les premières têtes d’affiche de l’édition, à savoir VIOLET ROAD. À 100 mètres, on aurait presque cru à une manifestation des Waterboys à leur grande époque, à condition toutefois de couper le son, car si l’exubérance vestimentaire de cette sympathique quintette quasi familiale évoquait fortement celle de Mike Scott et de ses ondins au début des années 80, les compositions du groupe n’approchaient en revanche pas, et loin s’en fallait, l’intensité et l’allant de la Big Music prêchée par leurs glorieux aînés. Amusante coïncidence, le dernier single des premiers, Face Of The Moon, n’allait pas sans évoquer le nom d’un des tubes des seconds, The Whole Of The Moon. Simple question d’échelle. Comme quoi, il ne suffit pas toujours d’un saxophoniste pour entrer dans la légende (même si ça peut aider).

De retour en avance sous le chapiteau de la NTE Scenen, je pus assister à l’installation du groupe au nom le plus long de cette édition, j’ai nommé CONOR PATRICK & THE SHOOTING TSAR ORCHESTRA. Le hasard faisant bien les choses, il s’agissait également de l’ensemble le plus populeux de ce cru 2014, laissant la concurrence loin derrière avec ses neuf membres réguliers, dont sept avaient fait le déplacement jusqu’à Steinkjer (et comme dans les films d’horreur, c’est toujours le joueur de bongo – noir – qui meurt le premier, mais je m’égare*). Dans une indifférence à peu près totale – comprendre que j’étais le seul péquenot sur place avec l’équipe technique – la troupe s’installa sur scène et procéda aux balances. Cette arrivée précoce fut apparemment remarquée et appréciée par le groupe, comme tu l’apprendras bientôt, ami lecteur, mais ne précipitons pas les choses.

*: Autre absent notable, le violoncelliste classique de l’ensemble.

CP&STO 1

Où sont les fans?

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À 20h30 précises, la joyeuse cohorte débuta son concert devant un parterre bien plus fourni qu’à mon arrivée, votre serviteur se trouvant logiquement au premier rang (à quoi bon arriver en avance si on ne peut pas choisir sa place?). La pop symphonique des Tsars Filants ne manquait certes pas d’allure ni de majesté, les huit comparses ne ménageant pas leur peine pour porter leurs morceaux jusqu’au point de fusion émotionnelle. Mention spéciale au joueur de glockenspiel (et oui, il y en avait un), qui réussit à rester à concentré et concerné d’un bout à l’autre du set. Oui je chambre, mais je ne suis pas méchant. Au centre de l’estrade, Conor Patrick, sa tignasse artistiquement négligée et son timbre de voix angélique laissèrent parler leur classe naturelle pour se poser en dignes successeurs des incontournables A-ha. Certes, parmi la petite dizaine de morceaux présentés en cette soirée du 27 Juin, aucun ne pouvait rivaliser avec les éternels Take On Me ou The Sun Always Shine On TV, mais tous se situaient bien au-dessus de tout ce que le trio Harket/Waaktaar-Savoy/Furuholmen a pu sortir au cours de leur dernière décennie d’activité en temps que groupe.

Arriva alors le moment de grâce. Rassuré par l’accueil favorable réservé par les festivaliers à ses créations, Patrick Conor descendit de la scène pour venir chanter au plus près du public, parqué comme de juste derrière les barrières de sécurité délimitant le no man’s land hanté par les vigiles et les photographes accrédités. Si, au regard du style du groupe, je ne fus pas surpris de voir son chanteur chercher à plonger son regard bleu pâle dans celui d’un(e) fan transi(e), je le fus en revanche bien davantage quand il s’avéra que j’avais été choisi pour être l’heureux élu de ce moment de communion. Oui, oui, vous lisez bien, Conor Patrick passa trente secondes de Calendar à me fixer droit dans les yeux, à cinquante centimètres de distance, et, ce qui est encore plus fort, ne regarda absolument personne d’autre jusqu’à son retour sur scène. Merci Steinkjerfestivalen pour cette parenthèse totalement improbable et absolument mémorable, qui restera comme un de mes moments forts de cette seconde excursion dans le Nord-Trøndelag.

CP&STO 3

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Retour ensuite à Rismelen, pour assister au show des CC COWBOYS, groupe apparemment culte à en juger par la récurrence des passages scandés par le public en même temps ou à la place du chanteur, sorte de sosie de Tom Barman avec des lunettes de soleil. En 2012, c’était D.D.E. qui occupait le créneau des anciennes gloires toujours chéries, comme si nos Téléphone nationaux se réunissaient pour une dernière tournée des festivals. Sans cette valeur ajoutée nostalgique, et faute de pouvoir comprendre les textes (tout était en norvégien), il me fallut bien reconnaître que le rendu n’avait rien d’exceptionnel. Je laissais donc les vieux vachers poursuivre sans moi, et me redirigeai vers la NTE Scenen, où je savais que m’attendais un trio plus à mon goût.

CC Cowboys 1

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À mon retour, les « three bitches from Sweden » (Greta, Stella et Sunniva Bondesson, les trois sœurs punkabilly de BASKERY) étaient déjà en train de s’installer sur scène. Présentes en 2012 à ce même festival et sur cette même estrade, le show qu’elles s’apprêtaient à donner avait donc une fort saveur de revenez-y. Sur place, je fis la connaissance d’un grand fan Norvégien, qui les suivait à la trace au hasard de ses déplacements en Scandinavie. Notre conversation, assez hachée, nous permit de passer le temps jusqu’au début du concert à proprement parlé, et je tiens à le remercier ici pour ces quelques minutes d’échanges conviviaux (ça m’étonnerait qu’il lise le français, mais on ne sait jamais).

Venues avec un nouvel album (Little Wild Life), les trois Grâces suédoises régalèrent le public avec une prestation maîtrisée de bout en bout. Contrairement à leur dernière visite, pendant laquelle Sunniva s’était exprimée uniquement en anglais, la triplette fit cette fois l’effort de communiquer avec son public dans sa langue, ce qui ne fit qu’accroître la sympathie de ce dernier envers les premières. Jouissant d’un statut à part à Steinkjer (il s’agit à ma connaissance du seul groupe rappelé par demande populaire d’une année sur l’autre), Baskery forgea un peu plus sa légende en effectuant un rappel – luxe rare en festival* – commencé par une chanson à boire suédoise a cappella (Bort allt vad oro gor) et terminé par une version dantesque de Out-Of-Towner. Signalons également la jolie reprise du Old Man de Neil Young, insérée dans la setlist, parmi les classique du calibre de The No No, Throw Me A Bone ou Here To Pay My Dues. En conclusion, un sacré bon moment, exactement comme espéré. À la prochaine les filles.

*: Et permis par l’absence de Blue Pills après elles sur la NTE Scenen.

Baskery 2

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Tout festival doit réserver des surprises à ses participants, et Steinkjer 2014 ne fit pas exception. Le petit livret détaillant le programme de l’année indiquait ainsi « ?? » à partir de 23h30 sur la scène Rismelen, et en l’absence d’alternative sur ce créneau, il eut été malpoli de ne pas aller voir ce qu’il en retournait. Imagine alors, lecteur, un concert des Bérurier Noir en norvégien, avec cosplays de catcheur mexicain et de faucheuse noire, combinaison lycra verte intégrale et cascadeurs déguisés en grands-mères, et tu auras une petite idée de ce à quoi ressemble un concert de HAT, groupe aussi culte que local. Comme pour les polonais de Behemot il y a deux ans, l’intensité du show pâtit quelque peu de l’étalement du public, dont une bonne partie se contenta de regarder à bonne distance les pogos éclater dans la « fosse ». L’affaire aurait été bien plus bouillante dans le Klubben, mais se serait certainement terminée en jus de boudin, étant donné le goût prononcé du groupe pour les effets pyrotechniques. Bref, une curiosité locale, mémorable à défaut d’être compréhensible.

Hat 2

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Dernière étape de ce vendredi, la scène NTE accueillait les récurrents (trois participations au cours des trois dernières années) OSLO ESS (prononcer Ouchlou S). Pour avoir suivi de loin l’activité du groupe depuis deux ans, et être resté plus d’une fois ébahi par la capacité d’abattage d’Åsmund Lande et de ses potes – 200 concerts par an tout de même -, je me demandais dans quel état serait trouver le combo punk le plus populaire de Norvège à l’occasion de ces retrouvailles. Au final, le charismatique Lande m’a semblé plus gaillard que jamais, insufflant un rythme d’enfer au show et assumant sans sourciller son statut de frontman avec une énergique bonhommie qui a sans doute quelque chose à voir dans le succès persistant rencontré par Oslo Ess auprès du grand public. Le batteur de la soirée, dont je n’ai pas retenu le nom, était également en grande forme, constat assez logique eut égard à son statut de touring member (le groupe n’a pas de percussionniste attitré). À la basse, Knut-Oscar Nymo et son éternel bonnet semblaient se contenter de la routine heureuse que représentait ce nouveau concert. Peter Larsson (guitare), avait lui une tronche de déterré et avait fait sien le détachement mi-halluciné, mi-goguenard que Keith Richards affiche depuis une décennie quand il joue avec les Stones/pour Mick Jagger, ce qu’il ne l’a pas empêché de livrer une partition tout à fait satisfaisante. Enfin, Einar Stenseng (clavier/harmonica) était juste parfait de désinvolture et de dandysme rock, promenant sa silhouette filiforme d’un bout à l’autre de la scène avec un détachement si artistement compassé qu’il en devenait presque éthéré (et ça aussi, je pense que ça contribue fortement au succès du groupe).

Oslo Ess 1

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Au niveau musical, on put retrouver le son punk-garage rock avec lequel les Oslo Ess se firent un nom en 2011 (Caroline évidemment), mais également quelques incursions intéressantes vers le ska, témoignage d’une curiosité manifeste envers d’autres univers que celui dans lequel nos quatre garçons évoluent à présent. Et ce ne fut pas la participation du rappeur OnklP (avec lequel Lande et Nymo ont formé le super groupe OnklP & De Fjerne Slektningene, et qui était sur les planches du Klubben avec ses comparses quelques heures plus tôt), qui contredira ce ressenti personnel. Qu’on se le dise, ce groupe en a sous la semelle, et ne peut qu’agréablement surprendre ceux qui chercheraient à le cantonner dans la niche punk (j’en veux pour preuve leur disque de live acoustique publié l’année dernière). Au risque de surprendre et même de choquer certains, je pense qu’Oslo Ess a largement le potentiel pour devenir le The Clash norvégien : ne manque plus que des textes plus engagés pour sauter le pas.

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À 1h et des poussières, et après une soirée entière de concerts et d’aller retour entre la grande scène de Rismelen et le chapiteau de NTE (le Klubben, ce sera pour demain), il était grand temps de regagner la tente pour recharger les batteries. Les plus convaincus purent se diriger vers le DJ set pour quelques heures de bonus, ou même accompagner le duo de buskers qui s’était judicieusement positionné juste à la sortie du festival (il en faut du courage/de la bière pour faire l’homme-orchestre à cette heure là, mes respects les gars), mais pour ma part, j’ai préféré jouer la carte de la sécurité: il aurait été dommage d’arriver lessivé le samedi (håhåhå). C’est sur calembour franco-norvégien que je te laisse lecteur : à bientôt pour la suite et fin de ce live-report. Vi ses!

SOIREE LONGUEUR D’ONDES @ LE PAN PIPER (16.05.2014)

Ces derniers temps, on s’est beaucoup posé la question de l’utilité de l’Europe, élections obligent. Et si le résultat de ces dernières, au moins en France, ne laisse pas vraiment matière à espérer des lendemains qui chantent du côté de Strasbourg, j’en suis le premier désolé car, voyez-vous, je suis un authentique europhile, encore que mon affection pour cette grande construction un peu bancale se réduise, il est vrai, à quelques secteurs bien précis. Je suis ainsi particulièrement attaché à la libre circulation des hommes et des marchandises à travers l’espace Schengen, ne serait-ce que parce que ces principes ont un impact certain sur le prix et la vitesse d’acheminement des CDs que je commande au Danemark ou en Finlande. Pour la question humaine, les enjeux sont encore plus importants, car je n’ose imaginer le nombre d’artistes qui se contenteraient de tourner seulement dans leur pays d’origine au lieu de se lancer dans des tours d’Europe (plus ou moins complets)  s’ils devaient, comme au siècle dernier, présenter patte blanche à la douane à chaque franchissement de frontière*. Dernier exemple en date (pour ma part): la soirée Longueur d’Ondes du 16 Mai dernier, dont le line-up aurait sûrement été très différent si l’Europe avait été l’entité embryonnaire que les partis nationalistes appellent de leurs vœux: avec un groupe d’Outre-Meuse et un autre ultralémanesque (je crée les gentilés que je veux) au programme, l’évènement avait en effet une allure indéniable de manifeste pro-européen. On en redemande.

*: À ce propos, il faudrait que quelqu’un se dévoue pour expliquer à Jonas Alaska que la Norvège fait partie de l’espace Schengen, et qu’il peut tout à fait envisager de venir jouer dans le reste de l’Europe, au lieu de réaliser la boucle Oslo-Stavanger-Bergen-Trondheim pour la 58ème fois de sa carrière.

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Piano Club 1Le premier acte de la soirée fut liégeois, le quatuor PIANO CLUB étant venu présenter son nouvel album, Colore, au public parisien. Annoncés par Serge Beyer (rédacteur en chef de Longueur d’Ondes et animateur mercuriel de l’évènement) comme la nouvelle sensation wallonne en matière de pop-rock, les Belges, pour n’être encore que peu connus par chez nous (sans doute une conséquence du maelström Stromae, qui risque de résumer toute la production musicale du plat pays pour le français moyen pour quelques mois encore), nous firent l’amitié de se déplacer avec armes et bagages afin d’assurer le spectacle. Leur set fut ainsi rehaussé par deux tapisseries de DEL placées de part et d’autres de la batterie, s’animant durant certains morceaux et transformant de fait la performance du Club en véritable spectacle de sons et lumières. L’ensemble aurait sans doute mieux rendu sur une scène plus imposante, comme celle des Francofolies de Spa, que le groupe investira bientôt, mais ne dépareilla en rien le Pan Piper non plus.

J‘ai tendance à ne retenir des artistes que je découvre sur scène que la valeur ajoutée qu’ils apportent par rapport à la concurrence, ou encore les éléments originaux les distinguant (en bien, évidemment) de ce que font leurs confrères et sœurs. C’est particulièrement vrai pour les groupes pop-rock composés d’individus masculins dont les chansons sont écrites en anglais, car ça n’est rien de dire que ce segment est particulièrement fourni. Devant une offre aussi dense, il est normal que les exigences du public s’élèvent, ce qui condamne de fait les impétrants à un niveau d’excellence permanent, sous peine de ne jamais percer ou de retomber rapidement dans l’anonymat.

Piano Club 3Dans le cas des Piano Club, l’atout principal du groupe réside à mes yeux dans la présence de trois vocalistes compétents et complémentaires, capables d’harmoniser de façon très convaincante sur le moindre bout de chorus. Ajoutez à cela un penchant assumé pour les compositions grandioses (M83 like), et vous obtenez une combinaison potentiellement tubesque. Autre point positif: le sens du groove du bassiste à dreads du combo, qui constitue pour moi le vrai point fort instrumental de ce dernier et compense quelque peu la rythmique plate de la batterie. Verdict final: un potentiel certain, des chansons réussies mais pas (encore) de hit incontournable, une présence scénique à développer et un objectif prioritaire, celui de capitaliser sur les points forts exposés plus hauts afin de se démarquer une fois pour toute du reste du peloton. Car si la curiosité tue les chats, la fongibilité enterre les artistes. Piano Club est prévenu (par moi en tout cas, ce qui ne pèse pas lourd c’est vrai, mais c’est mon avis et je le partage).

Setlist Piano Club:

1)Today 2)Girl On TV 3)Ain’t Mountain High 4)Splash 5)Not Too Old 6)On The Wagon 7)Olivia 8)Take 9)A Long Time Ago 10)Me And Myself 11)Love Hurts 12)Your Sadness

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Le deuxième groupe de la soirée n’avait, lui, plus grand chose à prouver sur le chapitre de l’originalité. Quand on s’appelle MY HEART BELONGS TO CECILIA WINTER, que l’on vient de Suisse et que l’on a un faible pour les pulls boules en laine écrue et les épaulettes en plumes de faisan (à vérifier), on ne peut que laisser une impression durable sur son public, et ce sans même jouer un seul morceau. Heureusement pour nous, le trio zurichois ne s’arrêta pas à ses considérations et se fit un devoir de présenter son deuxième album, Midnight Midnight, micro-diffusé depuis quelques mois en France. Une question restait en suspens: comment diable Cecilia allait-elle s’y prendre pour transposer la fougue de ses nouveaux morceaux (Departure And Arrival, Battle Scar, Battle Cry, Objects…) avec ses seuls trois instrumentistes réguliers?

MHBTCW 2

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La réponse, assez évidente, s’imposa dès le deuxième morceau du set, un Battle Scar purgé de sa dimension hymnique par l’absence des claquements de mains et de la guitare présents sur la version studio, remplacés par les accords rêveurs de l’autoharpe de Thom Luz, tandis que la batterie de Kusi Gerber se chargeait de rappeler à tous l’effarant potentiel de cette composition. Le reste du concert de nos trois petits Suisses fut à l’avenant de cette ouverture réarrangée, la plupart des titres les plus énergiques du groupe se voyant adoucis, apaisés par les arrangements choisis par leurs interprètes. Cela n’empêcha cependant nullement les multiples pépites du répertoire du trio de faire mouche à chaque fois: même réduit à son instrumentation congrue, le final d’Objects In The Mirror Are Closer Than They Appear (si ce titre ne vous donne pas envie de découvrir MHBTCW, vous êtes un Dalek) conserva toute son urgente saveur, tout comme la conclusion, échevelée et smithienne en diable, de When The Devil Speaks My Name donna à plein après sa lente ouverture, parfaitement négociée par Betty Fischer.

En parlant de pépites, la plus brillante du lot fut sans aucun doute possible l’interprétation de l’incontournable Eighteen, moment de grâce de trois minutes, encore magnifié par le fait que le groupe interpréta son tube en français. Le résultat, d’une poésie naïve mais indéniable, constitua le moment le plus fort du set de My Heart Belongs To Cecilia Winter, et gagna assurément de nouveaux fans à la cause du trio, qui tira sa révérence après trois quarts d’heure sur scène, sacrifiant sur l’autel des contraintes horaires les deux derniers morceaux de sa setlist (You You You You You et le mystérieux Lions + Tigers, qui figurera peut-être sur le futur album des Suisses). Un vrai beau moment de musique et de complicité, d’autant plus délectable du fait de sa rareté, car si Longueur d’Ondes est un partisan déclaré de Cecilia Winter (dont ce fut la deuxième participation à une soirée organisée par le magazine), le groupe aurait bien besoin d’autres champions hexagonaux, prêts à le faire venir jouer en France sur une base plus régulière. D’ici là, il faudra sûrement se rendre en pays helvète pour retrouver le trio sur scène, ce qui n’est pas loin de justifier le coût d’une incursion de l’autre côté du Lac Léman…

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Setlist My Heart Belongs To Cecilia Winter:

1)My Heart My Heart 2)Battle Scar 3)The Wind That Moves The Clouds 4)Kingdom Oh Kingdom 5)Lover 6)Never Ever Mountain 7)Eighteen  8)When The Devil Speaks My Name 9)Battle Cry 10)Objects In The Mirror Are Closer Than They Appear

L‘apothéose et la conclusion de la soirée revint aux bretons de THE POPOPOPOPS, que je ne pus malheureusement pas revoir sur scène à cause d’incompatibilités horaires, la longueur des sets précédents et le quart d’heure de retard pris en ouverture se conjuguant pour un dépassement du planning prévisionnel (selon lequel la messe aurait due être dite à 23h) en bonne et due forme. Victor Solf brasse-t-il toujours autant l’air qu’avant la sortie de Swell? Le départ de Vincent Bessy et l’arrivée de Thomas Clairice ont-ils affecté le son du groupe? Seine St-Denis Style s’est-il glissé dans la setlist? Autant de questions dont je n’ai pas la réponse… pour le moment.

MHBTCW 1

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Malgré cette conclusion tronquée, cette soirée Longueur d’Ondes se révéla être une très chouette expérience, que je renouvèlerais avec joie si l’occasion se présente. Merci et bravo aux organisateurs, techniciens et artistes ayant donné de leur personne pour assurer le succès de cette manifestation pan-européenne (de fait). À propos d’Europe, et pour boucler la boucle, les prochains billets de S.A.U.S.O.R.O. seront - sauf cataclysme  – consacrés à la couverture d’un festival qui m’est particulièrement cher, celui de Steinkjer, Norvège, qui propose cette année encore d’une programmation tout à fait alléchante… Vi sees! 

MODDI @ LA FLECHE D’OR (23.04.2014)

On ne chôme pas à la Flèche d’Or. Moins de 24 heures après avoir hébergé le concert d’une de ses plus belles prises de 2014 à date, les fameux Kaiser Chiefs, la salle accueillait une nouvelle fournée d’artistes, selon la formule du 3 en 1 ayant fait sa réputation. Pas de gueule de bois rue de Bagnolet, où les lendemains de fête peuvent également être des lendemains qui chantent, la preuve.

Sivu 1La soirée commença de la même manière qu’un open-mic dans un pub anglais, avec un court set de SIVU. Venu d’Albion avec sa guitare et quelques posters, le protégé de Charlie Andrew (le producteur du premier album d’Alt-J) prit la scène avec humilité, remerciant les spectateurs de la Flèche d’Or avant et après chacun de ses morceaux. Au programme, de la pop-folk consensuelle et assez peu remarquable sur le plan musical, bien servie en revanche par la voix haut-perchée et l’interprétation à fleur de peau de son créateur. Je conseille fortement de se pencher sur les vidéos officielles disponibles sur YouTube (Better Man Than He – rien à voir avec le You’re A Better Man Than I des Yardbirds* – ou Can’t Stop Now) pour se faire une idée des talents de notre homme, le dépouillement de sa prestation parisienne n’ayany pas vraiment joué en sa faveur. Et tant il est vrai qu’on ne travaille pas avec le producteur d’Alt-J sans porter une certaine attention (et je dirai même plus, une attention certaine) aux arrangements, il faudra sans doute attendre la sortie du premier album pour prononcer un jugement éclairé sur le cas Sivu. Le moins que l’on puisse dire, c’est que ce dernier sait s’entourer pour réaliser ses clips, et que le nombre important de visionnage de Better Man Than Me (579.000 tout de même) laisse présager de l’explosion prochaine du phénomène.

Ceci étant dit, les six chansons jouées par le brave lad à la Flèche d’Or n’avaient pas de quoi retenir particulièrement l’oreille du curieux. Sleep avait le malheur de reposer en grande partie sur un jeu de mots (volontaire ou pas) qui aurait valu à son auteur, eut-il été français, d’être cloué au pilori des chansonniers aux tournures horripilantes. Miracle et (le gimmick de) Dimmer Down auraient pu figurer sur l’album** de The La’s sans le moindre problème (ce qui est un compliment), tout comme Family Tree n’aurait pas dépareillé sur les derniers Oasis, dans la catégorie des balades acoustiques que le-gars-qui-a-trouvé-une-guitare-dans-un-coin trouve toujours opportun de jouer à la toute fin d’une soirée bien arrosée (ce qui n’est pas un compliment). Can’t Stop Now et Better Man Than He constituent toutes deux des tremplins solides sur lesquels lancer une carrière, et doivent être d’ores et déjà en train de remonter la supply chain musicale, prêtes à ouvrir les portes des radios grand public et studios de télévision à leur géniteur à la première occasion. Il ne reste qu’à espérer que ce dernier fasse le choix de venir faire sa promotion avec un ou deux musiciens en support, car son public risque fort sinon de se cantonner aux bloggeurs indépendants et à leurs rares lecteurs. Ce qui n’est pas un plan de carrière très pertinent, à moins de s’appeler Rodriguez ou Lee Mavers.

*: On peut pousser l’apologie du non parellelisme un cran plus loin: Sivu est en effet le terme finnois pour « page », en référence au véritable nom de l’artiste, James Page. Aucun lien connu avec Jimmy Page, guitariste des Yardbirds. Coïncidence? Je crois bien.

**: Si vous référez à ce renvoi pour savoir duquel je parle, honte à vous.

Setlist Sivu:

1)Sleep 2)Miracle 3)Dimmer Down 4)Family Tree 5)Can’t Stop Now 6)Better Man Than He

Moddi 3MODDI créa ensuite la surprise en investissant la scène quelques minutes après le départ de Sivu, alors que son statut de tête d’affiche le faisait davantage pressentir en dernière partie de soirée. Heureux coup du sort de mon point de vue, puisque ce décalage m’assurait d’assister à la totalité de la prestation de l’artiste dont la présence avait en premier lieu motivé ma venue à la Flèche d’Or, sans craindre de devoir m’éclipser avant l’heure pour attraper le dernier train.

Accompagné d’une charmante acolyte et de quelques instruments (violoncelle pour la demoiselle, guitare et accordéon pour lui-même), Moddi commença son set en cafouillant sur le premier vers de Magpie Eggs, mésaventure qui le fit plus rire qu’autre chose et lui donna l’occasion rêvée de se mettre le public dans la poche en se lançant dans une première incartade explicative (de nombreuses autres suivirent). On apprit donc qu’il était à la fois très nerveux et très content de jouer de nouveau à Paris, avant que son Train Tour ne l’entraîne vers l’Europe de l’Est dans les jours à venir. Avec son look de gentil Joker (version Heath Ledger) hippie, ses grands sourires récurrents et son débit aussi rapide que saccadé, impossible de résister à l’aura de sympathie exsudée par le Norvégien errant. Quant aux morceaux joués, ils permirent de constater (si besoin était) que la sensibilité nordique était décidément capable de miracles acoustiques répétés, parfois mis au service de textes résolument engagés, comme pour The Architect (faisons sans Dieu), Rubbles (faisons sans le pétrole norvégien*) ou encore Eli Geva (faisons sans la guerre au Proche Orient), introduit par une longue anecdote sur la tournée avortée de Moddi en Israël; et parfois consacrés à des sujets plus légers, comme sur Poetry (ah, l’amour!), Train Song (ah, le voyage!) ou le désormais presque célèbre House By The Sea (ah, la mer!).

Moddi 5Alternant entre guitare et accordéon, anglais et norvégien (Krokstav-Emne, adaptation d’un poème de Helge Stangnes), musique et narration, Moddi tint son auditoire parisien en haleine pendant près d’une heure sans jamais donner l’impression de se prendre réellement au sérieux, comme pouvait en témoigner la setlist improvisée sur une serviette en papier (collector!) deux minutes avant de monter sur scène par le sémillant scandinave, ainsi que le fait que les deux comparses n’avaient amené que des cartes postales pour garnir le stand merchandising. Cartes postales qui n’étaient même pas à vendre d’ailleurs, et furent laissés à la disposition du public après la fin du show. L’industrie musicale est peut-être (sans doute) un univers peuplé de requins, mais il est rassurant de constater les eaux de certains fjords nordiques sont encore interdites à ces squales aux dents longues. Béni soit Moddi pour sa sincérité désarmante et son optimisme triomphant, et puisse-t-il encore écumer nos routes pour un bon moment pour apporter de la beauté et du bonheur à chacune de ses escales.

*: L’introduction de cette chanson fut l’occasion pour Moddi de se livrer à son jeu scénique favori, à savoir demander aux spectateurs ce que leur inspirait la Norvège. Après avoir recueilli quelques réponses, tantôt classiques (fjord, neige…), tantôt surprenantes (bière?), un bon samaritain ayant potassé le dessous des cartes proféra la réponse attendu par l’artiste: pétrole! Et Moddi de révéler, sans feindre la surprise mais en ne cachant pas son désarroi, que le terme était revenu devant tous les publics qu’il avait fait participé à ce petit jeu durant la tournée. Quel dommage que mon accent anglais incertain et mon esprit d’escalier ne m’eussent pas permis de participer à cette séance de brainstorming, car me sont venus après coup quelques suggestions savoureuses…

Moddi 1

Why so serious?

Setlist Moddi:

1)Magpie Eggs 2)Poetry 3)Run To The Water 4)Train Song (Vashti Bunyan Cover) 5)Krokstav-Emne 6)Eli Geva 7)The Architect 8)Rubbles 9)House By The Sea

Ce fut enfin au tour de THE MISPERS de faire montre de leurs talents de musiciens, devant un public d’une bienveillante curiosité envers la quintette londonienne, guère connue dans l’Hexagone au moment de ce premier concert parisien. Le nom du groupe fait référence au terme employé pour désigner les personnes disparues (missing persons) dans le jargon des policiers britanniques, tandis que sa biographie évoque plutôt une version mondialisée de L’Auberge Espagnole (Australie, Brésil, Angleterre… et même la bonne ville de Tours apparemment, où le guitariste rythmique de l’ensemble, Joey Arnold, a semble-t-il parfait son français jusqu’à un niveau tout bonnement impressionnant). La musique de cette joyeuse troupe, quant à elle, emprunte autant aux Waterboys qu’à Arcade Fire et aux autres groupes-orchestres de ces dernières années où chacun semble libre de faire ce qu’il veut et de jouer comme il le sent. Ajoutez au cocktail une bonne mesure de ce rock aussi tubesque que sans concessions dont l’Angleterre s’est fait une spécialité depuis 20 ans, et vous obtiendrez une représentation assez fidèle de l’univers de The Mispers.

The Mispers 4

Entre les envolées de violon, la voix chevrotante de leur chanteur et les nombreux gimmicks égrenés par le lead guitarist au long de la dizaine de morceaux qui constituèrent leur set, les Mispers avaient largement de quoi marquer durablement leurs spectateurs, et peuvent déjà se targuer d’avoir développé un son propre (bel accomplissement pour un groupe qui fêtera ses deux ans à la fin de l’année). Le tout dégageait une énergie échevelée de fort bon aloi, même si cette dernière avait la fâcheuse tendance à retomber aussi sec à chaque fin de chanson. Le profil singulier des Mispers risque de provoquer aussi bien des coups de foudre absolus que des réjections épidermiques auprès du grand public, mais il y a de fortes chances pour que les premiers surclassent les seconds de beaucoup, surtout avec l’appui des médias britanniques, dont l’amour pour les extravagances soniques n’a jamais été démenti au cours des cinquante dernières années, pourvu que lesdites extravagances restent affiliées à l’esprit rock qui secoue ses chaînes au-dessus de la livide Albion depuis (au moins) aussi longtemps. Autant dire que The Mispers ont largement la tête de l’emploi, et devraient se faire « trouver » par une major ou un producteur aguerri sous peu. En attendant le premier album, on peut déjà savourer un EP 4 titres (éponyme) tout ce qu’il y a de plus pimpant et racé, à l’image du Brother que vous pouvez découvrir ci-dessous.

Setlist The Mispers:

1)Emilie 2)Stone Roses 3)Dark Bits 4)The Fear And The Calm 5)You Hold 6)Postman 7)Brother 8)Gold Dust 9)Reach 10)Trading Cards

The Mispers 6Rappel:

11)« Just Another Day »

Les jours se suivent et ne se ressemblent pas à la Flèche d’Or, et c’est tant mieux. On ne saura peut-être jamais si les visiteurs du 23 Avril 2014 étaient conscients de fouler la même scène que les Kaiser Chiefs, à une journée d’intervalle, mais il restait en tout cas suffisamment de bonnes ondes de la veille pour que les nouveaux venus fassent honneur à leurs glorieux aînés et prodiguent aux spectateurs la dose de béatitude qu’ils étaient venus chercher. Qu’importe le flacon et le sommelier, pourvu qu’on ait l’ivresse…

THUS OWLS @ LA LOGE (08.03.2014)

En matière de cadre intimiste, la Loge constitue l’un des fleurons de la capitale. Nichée au fond d’une cour de la rue de Charonne, cette salle de concerts et de théâtre a clairement fait le choix du qualitatif sur le quantitatif. Mini (mais vraiment mini) bar dans un coin de l’entrée/billetterie, bancs d’écoliers sur les gradins, abondance de coussins pour éviter les courbatures après un début de soirée assis sur ces derniers: si le moelleux des fauteuils de l’Olympia et les cocktails du Trianon constituent votre ordinaire de spectateur, il y a de fortes chances que vous ne trouviez un tantinet roots le mobilier et la carte de la Loge. Vous auriez pourtant tort de bouder l’endroit à cause de ce genre de détails, car ce dernier peut se flatter d’accueillir, de recueillir même, des artistes qu’aucune autre scène parisienne ne propose. Démonstration en fut faite ce soir du 8 Mars 2013, avec la venue d’un parlement d’oiseaux rares en nos contrées: THUS OWLS.

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Rencontre des marches nordiques orientales (Suède) et occidentales (Canada), Thus Owls poursuit son impeccable, si discrète, carrière depuis cinq ans maintenant. Mené par les époux Angell, ce projet littéralement international brasse de multiples influences, tant rock que pop, classique ou jazz, déclinées en trois albums dont le dernier, Turning Rocks, n’était pas encore sorti lorsque nos cinq hiboux atterrirent sur les planches de la Loge, en conclusion d’un mini tour d’Europe (une date à Londres le 4 Mars, et une à Amsterdam le jour suivant). Fortement influencé par l’enfance d’Erika dans la maison familiale située sur l’île d’Orust, sur la côte Ouest de la Suède, ce troisième opus s’annonce d’une profondeur narrative et artistique comparable à ses prédécesseurs, tous deux habités d’un sincère et constant souci de cohérence.

2Engagé par la chanson titre de l’album à venir, le set d’une bonne heure offert par Thus Owls à ses fidèles Parisiens se déroula dans une ambiance amicale et détendue* qui permit à tous les participants de profiter pleinement de leur soirée. Entre les morceaux, Simon se fit un plaisir de traduire les interventions de sa moitié, les assortissant souvent d’une petite saillie drolatique dans le plus pur style du one man show, que l’on aurait pu pour l’occasion qualifier de one couple show. Cette atmosphère bon enfant ne vint cependant pas polluer l’exécution des morceaux de la quintette, dont chaque membre joua sa partition avec une justesse impeccable et un appréciable sens du groove.

Parfois proche de l’univers d’Anna Calvi (How In My Bones, I Weed The Garden), parfois totalement incomparable, la musique de Thus Owls est une invitation au voyage permanente, aussi bien au niveau des compositions que des paroles posées par Erika sur ces dernières, et jusqu’aux amples atours orientaux arborés avec une grâce naturelle par l’aède scandinave pour ce tour de chant parisien. Ce fut avec une reluctance non feinte que les occupants de la Loge laissèrent finalement partir leurs hôtes, non sans avoir obtenus d’eux une paire de morceaux supplémentaires en guise de rappel, dont le délicat Could I But Dream That Dream Once More, inspiré par les vers écrits par une princesse japonaise de l’époque Heian, quelques mille ans plus tôt, et interprété par les seuls époux Angell. À la croisée des mondes et des époques, se pouvait-il conclusion plus appropriée pour un concert de Thus Owls?

*: Familiale même, puisque l’ingénieur son n’était autre que le frère du clavier de Thus Owls, Parker Shper.

Setlist Thus Owls:

1)Turning Rocks 2)How, In My Bones 3)A Windful Of Screams 4)White Flags Down 5)I Weed The Garden 6)Smoke Like Birds 7)Bloody War 8)Ropes 9)As Long As We Try A Little

Rappel:

10)Could I But Dream That Dream Once More 11)The Tree

SATELLITE STORIES @ LA FLECHE D’OR (17.02.2014)

Malgré sa reconversion en salle de concerts, l’ancienne gare qu’est la Flèche d’Or n’en a  pas fini avec les grands voyageurs, particulièrement ceux venus du Nord de l’Europe. La saison 2013/2014 semble faire la part belle à la Finlande, pourvoyeuse des deux tiers du contingent musical de cette soirée du 17 Février, quelques semaines à peine après la tenue de la deuxième édition de Helsinki Mon Amour, où étaient venus en visite Black Lizard, Phantom et Siinai. Ce discret pays nordique ayant jusqu’ici exporté ses artistes avec une parcimonie tatillonne, on ne pouvait que se réjouir de l’aubaine de découvrir sur scène ces nouveaux représentants de l’école finnoise.

À 20h tapantes, le longiligne JAAKKO EINO KELAVI surgit des coulisses, accompagné d’un comparse affublé d’une magnifique paire de lunettes de soleil. Pendant que son acolyte prenait place derrière les pads de sa batterie électronique (pour pratique que soit ce genre d’engin, je trouve tout de même qu’il manque de superbe par rapport à son homologue classique), le grand Jaakko, présenté sur le site de la Flèche d’Or comme une sorte de Ty Segall finlandais – comprendre, une figure mythique de la scène indie de Helsinki – mit en marche son Moog et tourna quelques boutons sur l’imposante console reliée à ce dernier, sans doute afin de réveiller en douceur l’esprit de la machine. D’un élégant minimalisme (batterie + synthétiseur), le set de l’imposant chauffeur de tram, dont la stature et la coiffure de viking contrastaient fortement avec la retenue rêveuse dont il ne se départit pas un instant d’un bout à l’autre de sa prestation, panacha groove, new wave et alternative pour un résultat ma foi fort plaisant. Avec ses lignes de basse que l’on eut dit toutes droites sorties des sessions studio de Thriller, sa filiation évidente et assumée avec la proto-electro des années 80 (Flexible Heart sonne terriblement comme de l’Orchestral Manœuvres In The Dark sous LSD) et ses récurrentes fulgurances au clavier, parfois entachées d’un fugace sentiment de ratage rattrapé in extremis – mais difficile de se prononcer de manière catégorique quand votre sujet d’étude joue d’un instrument aussi baroque que le Moog consolé -, l’univers de Jaakko Eino Kelavi a des contours bien indistincts, ce qui devrait permettre à tout un chacun de venir y trouver son bonheur. Et quand bien même on peinerait à se satisfaire de la musique produite par l’individu, son faux air de Jake Gillenhal/Matthew Lewis et sa prestance toute Jeff Buckley-enne suffisent amplement à rattraper ce manque, n’est-ce pas mesdames*?

*: Dédicace spéciale à la spectatrice qui décocha un magnifique « Jaakko, à poil! » au milieu du set, assez fort pour que l’intéressé gratifie le public parisien d’un sourire timide et se fende d’un « Thank You », dont on ne saura jamais s’il était approprié ou pas. La légende est en marche.

Jaakko 1

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Divine Paiste 3Vint ensuite le tour de l’interlude français de la soirée, délivré de grand cœur par les quatre de DIVINE PAISTE, fiers et dignes représentants de l’école hexagonale en matière de rock pêchu, catchy et ambitieux. Et s’il fallait décrire le travail du quatuor (le terme de musique semblant par trop réducteur*) d’un seul mot, ambitieux serait sans doute celui que je retiendrais. L’ambition de remporter l’adhésion générale à chaque morceau proposé. L’ambition de tout donner à son public d’un bout à l’autre du set, voire de continuer en heures supplémentaires après la conclusion de ce dernier (c’est à quoi servent les bars, non?). L’ambition de s’imposer comme l’un des tous meilleurs groupes du moment, sûrement en France, sans doute au delà. Ambitions élevées il est vrai, mais tout à fait légitimes en fin de compte, les Divine Paiste étant le genre de gaillards à prouver tout ce qu’ils avancent et à entraîner dans leur sillage aussi bien le fan averti que le curieux se trouvant, une fois n’est pas coutume, au bon endroit au mon moment. Alignés sur l’étroite bande de scène leur ayant été dévolue par l’organisation (le backstage étant occupé par le matériel de leurs successeurs finlandais), les quatre Paistes s’offrirent le luxe de faire oublier ces derniers pendant trois quarts d’heure, même s’ils prirent soin de leur adresser un salut confraternel à la fin de leur performance. En récompense de ces bons et loyaux services, le public parisien, réputé si timoré de l’avis général, s’échauffa si bien le sang qu’il permit au chanteur Pierre Yves d’aller claquer une bise à l’ingé son sans poser le pied par terre. Oui oui, vous avez bien compris: un slam aller-retour à la Dionysos, d’autant plus remarquable qu’il ne s’appuya (au propre comme au figuré) que sur les trois cents personnes présentes à la Flèche d’Or, quand le bon Mr Malzieux put compter sur le support de vingt mille fans pour effectuer semblable trajet. Si je devais décrire le concert donné par les Divine Paiste ce soir du 17 Février 2014 d’un seul mot, triomphe est sans doute celui que je retiendrais.

*: Nous parlons ici d’un groupe qui s’est arrangé pour tourner un clip pour tous les 12 morceaux de son premier album, Crystal Waves On A Frozen Lake, chacun se révélant un épisode de la mini série formée par l’ensemble. Qui dit mieux?

Divine Paiste 1

Setlist Divine Paiste:

1)Native Echoes 2)Strobe Love 3)Carnival 4)Boreal 5)Cold City 6)Dust In The Wild 7)Savage Moon Venom 8)Vandal 9)Nasty Hornets

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Têtes d’affiche au succès encore confidentiel dans notre beau pays, les SATELLITE STORIES montèrent sur scène animés d’une volonté farouche, celle de démontrer à leurs 300 spectateurs (dont à peu près 12.000 Finlandais, à en juger par le flot continu d’apostrophes incompréhensibles à votre serviteur que le – fraîchement - moustachu Esa Mankinen essuya sans broncher pendant l’heure qu’il passa avec ses camarades sous les spots de la Flèche d’Or) que la flatteuse réputation leur ayant été faite par la blogosphère musicale n’était en rien usurpée. Poulains de la major BMG (les Stones, Bruno Mars ou encore les Kings Of Leon, tout de même!) depuis quelques mois, habitués des festivals européens et venus défendre un second album, Pine Trails, qui, n’eut été le statut d’outsiders de ses auteurs (la mondialisation a eu beau transformer la planète en village, la Finlande reste malgré tout à bonne distance de la grand place de ce bourg global), se serait sans doute frayé un chemin dans les charts pop-rock les plus influents, nos quatre têtes blondes débarquèrent avec des moyens sans commune mesure avec leur niveau de reconnaissance dans l’Hexagone. Bannière de fond de scène, merchandising développé, racks de guitares bien garnis et trio de roadies à leur solde*: les gamins d’Oulu disposaient de moyens conséquents pour cette tournée européenne, dont l’unique date française constitua sans doute l’un des creux. Pensez: jouer devant 2000 fans déchaînés à Madrid, faire salle comble à Berlin… et ne pas remplir la Flèche d’Or! On ne fait décidément rien comme les autres.

*: Heureusement qu’Esa Mankinen eut la gentillesse de péter sa sangle de guitare au début du set, sans quoi le préposé scène aurait vraiment eu l’impression d’être la cinquième roue du carrosse.

Satellite Stories 1

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Malgré l’affluence modérée, les Satellite Stories n’épargnèrent aucun effort pour contenter leur comité de réception parisien. Appuyé par la prestation sobre et sans défaut de ses trois partenaires, le flamboyant Mankinen se fendit de quelques mots en français dès l’entame du set (rien de plus logique pour le frontman d’un groupe dont le premier effort s’intitulait Phrase To Break The Ice) et prit bien soin de conserver l’élan insufflé en début de set (Blame The Fireworks + Mexico + Lights Go Low, excusez du peu) tout au long de l’heure que les Satellite Stories passèrent sur scène. Le répertoire explosif dont le quatuor finlandais peut s’enorgueillir, collection de morceaux d’obédience pop rock tous plus entraînants et attachants les uns que les autres, permit à ce dernier de quitter la Flèche d’Or sous des ovations sincères et prolongées, à défaut d’être assourdissantes. Charge aux 300 présents ce soir de faire passer le mot, afin que la prochaine date parisienne des kids d’Oulu se déroule devant une assistance plus fournie. Ce ne serait que justice, Satellite Stories faisant indubitablement partie des tous meilleurs groupes européens du genre. Fine Finn Music.

Setlist Satellite Stories:

1)Blame The Fireworks 2)Mexico 3)Lights Go Low 4)Australia (Don’t Ever Let Her Go) 5)Pinewood Parktrails 6)Campfire 7)The Tune Of Letting Go 8)Sirens 9)Kids Aren’t Safe In The Metro 10)Season Of B-Sides 11)Family

Rappel:

12)New Song 13)Helsinki Art Scene

Satellite Stories 2

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Si vous n’étiez pas convaincus au début de la lecture de ce billet de l’énorme potentiel de la scène musicale finlandaise, j’espère que c’est à présent chose faite. Après une soirée un peu décevante en Octobre 2013, la piqure de rappel du 17 Février 2014 dissipa définitivement les quelques doutes que j’avais pu nourrir quand à la qualité des artistes du plus méconnu des pays nordiques. En attendant que les sirènes parisiennes attirent de nouveaux noms de ma to attend liste dans une des salles de la ville lumière, je tâcherai de tromper mon attente en creusant le sujet par blogs interposés. Et quand on sait que même le groupe qui représentera le pays à l’Eurovision en Mai prochain semble tout à fait digne d’intérêt (en témoigne ce Something Better que le quintet Softengine jouera sûrement sur la scène du B&W Hallerne de Copenhague dans deux mois), on ne peut décemment plus douter de la richesse du filon finlandais…

FESTIVAL AIR D’ISLANDE @ LE POINT EPHEMERE (01.02.2014)

La question a fini par se poser. Après un n-ième petit soupir mi-amusé, mi-désabusé, de la part de mon interlocuteur après que je lui ai répondu que mon concert de ce soir avait pour thème cette île du grand nord Européen, grande comme l’Irlande et la Belgique réunies* et pourtant moins peuplée que Nice, patrie de commissaires dépressifs, de volcans vindicatifs et de banquiers en liberté conditionnelle, et où le moindre patronyme comporte obligatoirement 28 caractères (dont au moins trois appartenant à un autre alphabet) et finit invariablement par -dur/-dotir, et communément désignée par les profanes comme l’Islande, difficile de ne pas se la poser. Avant de partir pour le Point Ephémère et la deuxième soirée du festival Air d’Islande hébergée céans, je me suis planté devant une glace et ai longuement fixé mon reflet à la recherche d’une réponse à la terrible question dont je vous livre ci-dessous l’énoncé : suis-je un hipster? 
Passe encore le fait que je m’intéresse plus que de raison à la musique nordique, dont la popularité dans nos contrées méridionales m’est apparue jusqu’ici assez limitée (non, The Fox de Ylvis n’est pas un contre-exemple crédible), mais franchement, se passionner pour le single d’un chanteur indonésien (prénommé Marcel, pour ne rien arranger)? Traîner sur Douban et copier-coller le titre des chansons sur Google Translate pour retrouver celle dont parle Woozy dans son billet mensuel pour le Music Alliance Pact? S’improviser promoteur français d’un artiste écossais dont l’album a du se vendre à 35 exemplaires et qui n’aime pas faire des concerts? Qui d’autre qu’un hipster pourrait faire preuve d’une telle radicalité dans son approche? L’introspection ne s’étant pas prolongée assez longtemps pour me permettre de trancher avant l’heure du départ, je me suis donc rendu sur place et ai assisté à la soirée avec un poids terrible sur la conscience. Heureusement pour moi, à la sortie du Point Ephémère, je tenais ma réponse, et celle-ci était négative (à mon grand soulagement, car ça m’aurais ennuyé de devoir me laisser pousser la barbe fournie qui semble être la norme pour le hipster de genre masculin, sans compter les dépenses induites par le renouvellement de ma garde-robe). Démonstration.

*: Pas facile de trouver des exemples parlants. C’était ça où le Kentucky. Personnellement, je n’ai que la plus vague idée de la superficie du Kentucky. Dans le doute, j’ai supposé que c’était aussi le cas pour vous, estimés lecteurs.

La queue importante qui s’enroulait autour des barrières délimitant la terrasse couverte du Point Ephémère à mon arrivée au 200 quai de Valmy fut un premier élément à décharge dans mon dossier en hipsteritude. Il ne fallut en effet que quelques minutes au service d’ordre pour placarder un petit écriteau marqué « COMPLET » sur la porte de la salle, entraînant en conséquence le départ des quelques optimistes qui s’étaient déplacés sans avoir pris le soin de réserver leurs places. Etant de notoriété publique que les hipsters ont fait leur la devise du « moins il y a de fous, plus on rit », le succès (inattendu, au moins de mon point de vue) de la soirée ne pouvait que m’encourager dans la croyance que je n’appartenais pas à ce monde si particulier. Assister à un concert sold out, c’est vrai que ça a tendance à suggérer qu’on a les mêmes goûts que beaucoup de ses semblables, ce qui n’est jamais bon signe quand on se veut hipster.

Therese Aune 1

Billowing shadows: check

Debout sur la scène, souriante derrière la forme baroque de son harmonium indien, THERESE AUNE semblait attendre que les derniers participants passent le seuil du Point Ephémère pour se mettre à jouer. Pour son premier concert parisien, l’acolyte de Moddi avait fait le choix de la sobriété, et laissé le reste de son groupe en Norvège. Oui, vous avez bien lu, en Norvège, car Therese Aune n’est absolument pas islandaise, n’en déplaise aux organisateurs du festival, pour qui la participation au fameux Icelandic Airwaves et la présence de Sturla Mio Þórisson dans le fauteuil de producteur du premier album de la demoiselle, Billowing Shadows, Flickering Lights valaient semble-t-il bien une nationalisation temporaire. Et puis, ces nordiques, ce sont un peu tous les mêmes, comme dirait un expert (puisque Belge) en la matière, Mr Paul van Haver. Y en a marre.

Hautement cinématographiques, les compositions présentées par Therese Aune à son nouveau public furent toutes frappées du sceau du dépouillement, même si son talent de pianiste lui permit de donner à sa prestation un volume appréciable. En l’absence de ses habituels complices et de leurs instruments, Miss Aune dut se contenter de ses doigts agiles et de sa voix puissante pour captiver la salle, ce qu’elle fit de bonne grâce. Toutefois, difficile de nier que l’immersion dans l’univers artistique de la native d’Oslo aurait été facilitée par un accompagnement plus conséquent que le classique piano/harmonium-voix, qui resta la norme tout au long des 35 minutes du set. Impossible de ne pas faire le parallèle avec la venue d’une autre artiste norvégienne au Point Ephémère, il y a un peu plus d’un an, pour un show lui aussi placé sous le signe de la simplicité. Et si, à l’époque, je n’avais rien trouvé à redire à la performance de Susanne Sundfør (et que je n’ai pas changé d’avis depuis, mais ce cas est aussi spécial que désespéré), je dois reconnaître qu’un concert aux arrangements aussi épurés a effectivement de quoi déconcerter le néophyte et le « jeune » fan ne connaissant que les versions abouties figurant sur l’album, et s’attendant – peut-être naïvement – à retrouver la même complexité en live. Ce ne fut pas le cas ce soir (tant pis) mais pour une première, ce fut néanmoins une réussite, qui je l’espère entraînera un rapide retour de Therese Aune dans l’Hexagone, cette fois ci avec son quatuor de choc au fond de la valise.

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Setliste Therese Aune: 1)I Am The One Who 2)Grey Ghost 3)The Lonely Ocean Roar 4)Chameleon 5)Sometimes 6)Silent Song 7)Broken Bird

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Samaris 1Après ce début prometteur, l’inquiétude quant à mon éventuelle appartenance à la caste des hipsters monta en flèche, en même temps que le trio SAMARIS sur les planches de la scène. Le side project de la tête pensante de Pascal Pinon (calembour glacé et sophistiqué) présentait en effet de nombreuses caractéristiques ne pouvant que provoquer l’intérêt des mélomanes les plus pointus: outre sa « glorieuse » genèse évoquée plus haut, citons également sa relative jeunesse (le groupe s’étant formé au début de l’année 2011, et son premier album, éponyme, n’a été publié qu’à la fin du mois d’Août 2013), son line up exotique (chant, ordinateur, clarinette), sa ligne artistique (adapter de la poésie islandaise de la fin du XIXème siècle sur base electro), ou encore son look plutôt décalé (grande utilisation de guirlandes de Noël et de chasubles ou très épaisses ou très légères dans la garde-robe de scène de ces dames). Un cocktail détonnant donc, dégusté avec gourmandise par une grande partie du public du Point Ephémère si je dois en juger par  l’accueil enthousiaste reçu par le trio, dont c’était également la première date parisienne.

Samaris 2

Góða tungl um loft þú líður/ ljúft við skýja silfur skaut… Médite là dessus.

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Mené par une Jófríður Ákadóttir habitée, au sens björkien du terme (susurrements théâtraux, danse chamanique autour du micro, yeux perdus dans le lointain), Samaris livra un set d’une quarantaine de minutes au cours duquel furent joués de nombreux morceaux de leur prochain album, Silkidrangar, ainsi que les titres incontournables du premier opus, dont le désormais « célèbre » Góða Tungl, ode à l’astre nocturne dont je ne désespère pas de comprendre un jour le message (ils ont sorti une méthode Assimil pour l’islandais?).

Samaris 3Contrastant avec l’exubérance de leur chanteuse, les deux autres membres du groupe optèrent pour une approche bien plus modérée, voire monolithique, se contentant de jouer leurs parties avec une retenue toute scandinave. Engoncée dans une sorte de toge blanche que l’on eut dit taillée dans une sous-nappe en bulgomme, la clarinettiste Áslaug Rún Magnúsdóttir avait la digne gravité d’un clown blanc, tandis que son comparse Þórður Kári Steinþórsson semblait trop absorbé par ses machines pour s’occuper de quoi que ce soit d’autre. En bonne maîtresse de cérémonie, Jófríður prit toutefois soin de communiquer régulièrement avec le public, et souvent dans un français remarquablement bien maîtrisé. Une attention bienvenue, qui permit de limiter le décrochage des éléments les moins sensibles aux litanies hypnotiques du trio (et je sais de quoi je parle). À la fin de ce deuxième set, j’avais la tenace et troublante impression d’avoir ingéré un space cake sonique, sans arriver à déterminer si le résultat me semblait plaisant ou pas, et c’est donc l’esprit un peu brumeux que j’abordai le dernier acte de la soirée.

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Setlist Samaris: Bien au delà de mes faibles compétences en islandais, je regrette.

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Une des choses qui continue de me fasciner à propos de l’Islande est la proportion incroyable de  talentueux musiciens que ce petit bout de terre semble capable d’engendrer par rapport à sa population totale, ainsi que la capacité de ces derniers à obtenir une reconnaissance internationale. Depuis l’avènement des Sugarcubes à la fin des années 90, la tendance n’a fait que se poursuivre et se renforcer, Of Monsters And Men et Ásgeir étant les dernières incarnations en date de cette success story à l’islandaise. La terre des glaces n’a rien à envier aux autres nations sur le plan de la vitalité de la scène musicale, qu’on se le tienne pour dit. La venue des MONO TOWN à Paris ne fit que confirmer l’absurde concentration de talents à Reykjavik, véritable El Dorado du quatrième art rivalisant sans peine avec l’effervescence britannique, new-yorkaise ou californienne malgré une taille bien plus modeste.

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Mono Town 3Repéré par les informateurs du Music Alliance Pact dès Septembre 2012, la quintette avait mis a profit l’année écoulée pour terminer l’enregistrement de son premier album, In The Eye Of The Storm (ne le dîtes pas à Roger Hodgson), participer à quelques festivals notables (Icelandic Airwaves, KEXP) ou encore tourner avec les Pixies, excusez du peu. Après avoir enregistré une session Deezer dans l’après-midi, le groupe était fin prêt pour terminer la sixième édition d’Air d’Islande avec panache. Dès les premières notes de Place The Sound, la sensation d’avoir en face de soi un groupe affûté et complétement maître de son sujet se fit jour. La cohérence et l’aisance avec laquelle les cinq musiciens jouaient ensemble, le subtil équilibre des forces entre la voix de Bjarki Sigurdsson (frère cadet caché de Roberto Alagna, en plus sympathique), la guitare « western » de Daði Birgisson, les claviers de son frère Börkur (les deux frangins ayant auparavant officié dans le groupe Jagúar au début des années 2000) et la section rythmique, la construction soignée de tous les morceaux et les arrangements élégants ornant ces derniers: le moindre aspect de la prestation du groupe respirait la classe et le professionnalisme. Combinant l’accessibilité du rock et de la pop avec une savoureuse dynamique funk – c’est toujours plus agréable d’entendre un joueur de basse broder le tempo plutôt que de répéter la même séquence trente fois de suite, non? -, les compositions de Mono Town s’avérèrent aussi impeccables que leurs interprètes, à l’image de l’ultime Can Deny et de sa magnifique cassure de rythme au deux tiers du morceau:  cette capacité à surprendre l’auditeur en variant les ambiances, les sonorités et les progressions aussi bien entre qu’à l’intérieur même des chansons, voilà bien la meilleure arme de l’arsenal de ce nouveau groupe très prometteur, et qui devrait selon toute logique obtenir la reconnaissance qu’il mérite au cours des prochains mois.

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Setlist Mono Town: 1)Place The Sound 2)Jackie O 3)In The Eye Of The Storm 4)Deed Is Done 5)Yesterday’s Feeling 6)Peacemaker 7)Two Bullets 8)Can Deny

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À la sortie du Point Ephémère, j’avais acquis la certitude de ne pas être un hipster, malgré tous les signes tendant à prouver le contraire que j’avais pu lister auparavant. J’ai en effet des goûts musicaux bien trop simples pour pouvoir prétendre rejoindre ce cénacle, même si, la technologie aidant, il m’est tout à fait possible (comme il est possible à chacun) de découvrir et d’apprécier des artistes dont l’éloignement géographique et le peu de notoriété m’auraient fait manquer quelques années plus tôt. Si on y réfléchit bien d’ailleurs, l’Islande est devenue une sorte de grande banlieue européenne (compter 3h30 d’avion entre Paris et Reykjavik, une paille), ce qui l’a logiquement déclassée dans le palmarès des pays-où-chercher-des-groupes-inconnus, activité réputée comme étant un des passe-temps favoris du hipster moyen. Et puis l’Islande, tout le monde en parle maintenant, c’est devenu mainstream au point que Ben Stiller y est allé tourner son dernier blockbuster! De plus, je ne considère pas que le succès commercial d’un album, d’un groupe ou d’un chanteur soit inversement proportionnel à sa qualité, ce qui semble être le point de vue d’un paquet de hipsters, prêts à brûler ce qu’ils avaient adorés dès lors que la barre fatidique des 50/500/5000/5.000.000 likes (selon l’extrémisme du sujet, la limite haute varie) a été franchie. Au contraire, je suis toujours heureux de voir des artistes méritants récolter le fruit de leur travail et réussir à vivre de leur musique, et ai plutôt tendance à favoriser cette reconnaissance à mon petit niveau plutôt qu’à abandonner le navire dès qu’il arrive en vue des côtes de la gloire (c’est beau). Bref, le souffle d’Air d’Islande m’a laissé apaisé et rasséréné, prêt à assumer mes coups de cœur musicaux sans craindre ou sans me soucier (quand bien même, je suis sûr qu’il y a des gens très sympas chez les hipsters) d’être étiqueté en retour. Pour fêter ça, j’ai dès mon retour réservé ma place pour la grande soirée finlandaise du 17 Février prochain à la Flèche d’Or. On ne se refait pas… 

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